Jimmy Humilde ha dado nueva forma a la música latina, con estrellas como Fuerza Regida, Junior H, Natanael Cano y muchos más
Jimmy Humilde, CEO de Rancho Humilde, influyente sello discográfico México-americano, expande su legado hacia el cine y la televisión. Inicia nueva empresa con CLIKA, película de gran importancia cultural, producida por él y dirigida por Michael Greene (LIVE, 2018).
“Esta película marca el camino para una nueva era de oportunidades y representación para los creadores mexicoamericanos en Hollywood. Hemos estado trabajando en segundo plano, pero ahora estamos entrando en el foco de atención, listos para mostrarle al mundo de qué estamos hechos. Este momento cambia el juego, no solo paran nosotros, sino para la próxima generación y para todos los que alguna vez sintieron que no tenían un lugar en la mesa. Ya no somos solo parte de la conversación, la estamos liderando. Esto es solo el comienzo”, afirmó Jimmy Humilde respecto al lanzamiento de CLICKA.
Al respecto, Sanford Panitch, presidente del grupo de películas de Sony Pictures, dijo: “Jimmy es un productor visionario cuyo enfoque innovador ha reformado el sonido de la música mexicana. Ahora, sus significativas contribuciones en el mundo de la música abren la puerta a nuevas voces, nuevos tipos de historias y nuevas estrellas de cine. Estamos encantados de asociarnos con Sony Music Latin para lanzar su primera película, CLIKA”.
Por su parte, Alex Gallardo, presidente de Sony Music US Latin, aseguró: “estamos muy emocionados de ser parte de esta película junto con Rancho Humilde y Sony Pictures. Jimmy Humilde es un visionario que ha revolucionado la cultura mexicana, y CLIKA es la primera película nacida de su visión y su impulso creativo. Desde el momento en que supimos del proyecto, sabíamos que queríamos ser parte de él y que Columbia Pictures era el socio ideal para darle vida”.
Producida por Sean McBride (Eli Roth Presents: The Legion Of Exorcists, 2023), CLIKA cuenta con la participación del artista de Rancho Humilde y estrella en ascenso Jay Dee. La película marca un momento crucial en la representación global de las historias mexico-americanas.
Escrita por Jimmy Humilde, Michael Greene y Sean McBride, CLIKA tiene el respaldo de un equipo de producción estelar, incluyendo a Dave “Foots” Footman (X-Men, 2000), Ski-ter Jones (Unsung, 2008) y Lalo the Giant, junto con un talentoso elenco que incluye a Cristian “Concrete” Gutierrez (Killer Oldies, 2022), Daniel “DoKnow” Lopez (White Men Can’t Jump, 2023), Laura Lopez (Saffron Kingdom, 2025), Nana Poncelan (The Zero Hour, 2010), OhGeesy, Eric Roberts (Runaway Train, 1985), Uziel Pantoja, Josh Benitez, Francine Sena, Percy “Master P” Miller (Hollywood Homicide, 2003) y Peter Greene (Pulp Fiction, 1994).
El filme será estrenado en cines, por Columbia Pictures y Sony Music Vision, el próximo 15 de agosto.
Como la fuerza innovadora detrás del género de “corridos tumbados”, Rancho Humilde le ha dado una nueva forma a la música latina, lanzando estrellas como Fuerza Regida, Junior H, Natanael Cano y muchos más. Ahora, el sello lleva su influencia cultural a la gran pantalla.
Boletín de prensa
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Durante la despedida, se compartieron experiencias y aprendizajes sobre la cultura, gastronomía e idioma, destacando la satisfacción con la calidad educativa de la UAG
La Universidad Autónoma de Guadalajara (UAG) organizó un evento especial para despedir a más de 50 estudiantes de intercambio, tanto nacionales como internacionales, que formaron parte de su comunidad durante este ciclo académico.
La actividad, liderada por la Dirección de Internacionalización, buscó agradecer a los estudiantes, conocer sus experiencias y brindarles un cierre memorable a su estadía.
Diversidad cultural en la UAG
El programa de movilidad estudiantil de la UAG está diseñado para enriquecer la formación y la experiencia educativa integral, combinando aspectos académicos y culturales.
Los participantes provienen de diversos países, como España, Francia, Japón, Corea del Sur, China, Puerto Rico, Colombia, Ecuador y Perú, así como de distintas instituciones dentro de la República Mexicana.
La importancia de recibir estudiantes internacionales
Mónica Paulina Andrade Moreno, Especialista en Intercambios Internacionales para Movilidad Entrante, destacó el impacto positivo que tiene este programa para la UAG.
“Cada año hemos incrementado el número de estudiantes y mejorado los procesos. Es muy enriquecedor tanto para los internacionales como para los estudiantes locales. Aprendemos de nuevas culturas, convivimos con personas de diferentes partes del mundo y compartimos tradiciones y conocimientos”, detalló.
Aprendizajes y vivencias compartidas
Durante el evento, los estudiantes internacionales compartieron sus vivencias en México, donde resaltaron los aprendizajes sobre la cultura, la gastronomía y el idioma.
También manifestaron su satisfacción con las clases y la calidad educativa recibida en la UAG, que les permitió ampliar sus perspectivas y fortalecer su desarrollo académico.
Un recuerdo especial
Para cerrar, Andrade Moreno dedicó unas palabras emotivas a los estudiantes:
“Espero que hayan disfrutado tanto como nosotros. Me encantaría que regresen a sus universidades y compartan con todos lo bien que fueron tratados aquí en la Autónoma. Ojalá sus compañeros se animen a vivir esta experiencia”, finalizó Paulina Andrade Moreno.
El evento concluyó con un momento emotivo en el que los estudiantes recibieron un pequeño recuerdo, que simboliza los lazos y aprendizajes forjados durante su estancia en la universidad.
Boletín de prensa
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Pedro paramo es una de las películas más vistas en Netflix México
Notipress.- La obra cúlmine de Juan Rulfo que forma parte del inconsciente colectivo de México, “Pedro Paramo“, se encuentra entre las películas más reproducidas en la plataforma de streaming Netflix. La nueva adaptación cinematográfica, dirigida por el director mexicano, Rodrigo Prieto, intenta proyectar la esencia de la narrativa de Rulfo para llevarla a la pantalla chica.
En una obra canónica que refleja una cultura mexicana cargada de mística y de muerte, Juan Rulfo narra la historia de Juan Preciado, un joven que viaja al pueblo de Comala en busca de su padre, Pedro Páramo, tras la muerte de su madre. Sin embargo, se encuentra con un pueblo desolado, lleno de almas lamentando los errores del pasado. Luego de que Juan se va introduciendo en la historia de Comala, descubre las intrincadas relaciones que todo el pueblo tuvo con su padre, Pedro Paramo, un personaje cuyo conflicto interno lo convirtió en todo un tirano para resto del pueblo.
Considerada una obra esencial del realismo mágico, así como también del llamado “boom latinoamericano“, “Pedro Paramo” se introdujo en el imaginario popular en México, convirtiéndose en un relato que, en muchas ocasiones, logra capturar la idiosincrasia mexicana. Por tal motivo, pasó a ser un libro inmortal.
De la mano del director Rodrigo Prieto, quien colaboró en grandes películas como “Amores Perros”, “Barbie” o “Los asesinos de la Luna”, llegó a Netflix la adaptación cinematográfica de Pedro Paramo. Si bien, la complejidad de llevar a la pantalla una obra conocida por la mayoría de los mexicanos no es sencillo, la cinta se destaca por su fidelidad a la obra original. Las actuaciones, especialmente del actor que interpreta a Pedro Paramo (Manuel García Rulfo), se llevaron varios elogios. Además, la dirección de arte y la fotografía se destacan por recrear esa atmosfera gótica y opresiva que caracterizan a Comala.
Por otro lado, la película está teniendo una gran popularidad en México debido a la nostalgia que les provoca a quienes en algún momento de sus vidas leyeron Pedro Paramo y ahora encuentran en la película la forma de revivir la historia. Además, la producción de Netflix es una excelente oportunidad para que las nuevas generaciones descubran la obra de Juan Rulfo.
Finalmente, al igual que todos los espíritus de Comala que están condenados a repetir su historia hasta la eternidad, Pedro Páramo es una obra que puede encontrar nuevos espectadores a quienes contar su historia a través de las plataformas de streaming. Netflix trae una nueva oportunidad para adentrarse en los misterios de Comala.
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La celebración del Día de Muertos se realizó en Ciudad Universitaria, donde se montaron diversos escenarios para las actividades y presentaciones artísticas
La luz de las veladoras, las catrinas y catrines, las tradicionales flores de cempasúchil, los altares y ofrendas, decoraron una vez más la Ciudad Universitaria de la Universidad Autónoma de Guadalajara (UAG) para el Parque Temático “Miktlán” 2024.
Más de 6 mil personas disfrutaron de este evento, entre comunidad universitaria y público en general, quienes se reunieron para conmemorar el Día de Muertos. Este año, el evento tuvo la temática “Miktlán: México Sensacional”, para resaltar las tradiciones y cultura mexicana.
Esta celebración es una de las más grandes e importantes en la UAG, ya que participan en su organización varias dependencias universitarias, encabezadas por la Coordinación de Arte y Cultura, e involucra a estudiantes de todos los niveles educativos de la institución, académicos, colaboradores, egresados y jubilados.
Preservar las tradiciones
Este año, “Miktlán” organizó nueve diferentes atracciones para fomentar y preservar las tradiciones mexicanas, entre ellas concursos de catrinas, muestra y encendido de altares y presentaciones artísticas.
Las atracciones fueron:
Gran participación
La Lic. Bertha Moreno Arroyo, Coordinadora de Arte y Cultura de la UAG, destacó la gran participación de la comunidad universitaria en la organización del evento. Como muestra están los cerca de 200 artistas que participaron en la presentación de los espectáculos.
Además, estudiantes de todos los niveles educativos también contribuyeron en la organización y montaje de las diferentes atracciones.
“Para nosotros es un orgullo y un compromiso muy grande trabajar y dar lo mejor, demostrar todo el talento que tiene toda la universidad, y no solamente de las presentaciones, sino del trabajo del equipo que se logra al conjuntar estudiantes de todos los niveles”, afirmó la Lic. Moreno Arroyo.
“Es algo que nos tiene muy contentos, el mostrar a la UAG como una institución con mucha actividad, compromiso, unión, trabajo dinamismo, alegría, creo que aporta muchas cosas positivas”.
Altar Institucional
En el marco de “Miktán”, también se realizó la muestra del Altar Institucional, que cada año está dedicado a personajes que dejaron huella en la institución y que recientemente fallecieron.
El Altar institucional 2024 se dedicó al Lic. Diego Ayala Navarro, al Dr. Ricardo Ruvalcaba Barajas, a la Sra. Beatriz Rosario Torres de Tinoco y al Arq. Carlos Zepeda Jaramillo.
Para recordar a estos célebres personajes, se realizó una ceremonia a la que asistieron autoridades universitarias y familiares y amigos de dichas personas.
De esta manera, la UAG resalta y fomenta los valores y tradiciones mexicanas, como lo ha hecho a lo largo de sus 89 años de historia
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Célebres exponentes del muralismo plasmaron la historia del país, sus costumbres, resistencias, luchas, ideología y fiestas milenarias en los corredores, patios y salones del edificio sede de la dependenciaDel 1 al 3 de noviembre se rinde homenaje al magisterio nacional, a las muralistas mexicanas y a los murales perdidos con el Altar de Día de Muertos del Salón Iberoamericano
El Museo Vivo del Muralismo abre sus puertas de miércoles a domingo de 10:00 a 18:00 horas de manera gratuita
Secretaría de Educación Pública | 01 de noviembre de 2024. La Secretaría de Educación Pública (SEP) invita a niñas, niños, adolescentes y familias a visitar el Museo Vivo del Muralismo (MVM) para conocer la obra mural que, desde 1922 y hasta 2010, se realizó en el centenario edificio histórico de la dependencia.
En los corredores, patios y salones de este inmueble, Diego Rivera, Jean Charlot, David Alfaro Siqueiros, Luis Nishizawa, José Chávez Morado, Amado de la Cueva, Manuel Felguérez, y otros célebres exponentes del muralismo, plasmaron la historia del país, sus costumbres, resistencias, luchas, ideología y fiestas milenarias que dan identidad al pueblo de México.
Las y los visitantes podrán recorrer el Patio del Trabajo donde se muestran el levantamiento revolucionario; las luchas del proletariado y la defensa de los derechos laborales, así como la resistencia y la dignidad de las comunidades indígenas. En el Patio de las Fiestas destacan las celebraciones, danzas, tradiciones y cosmovisión de los pueblos originarios en las distintas regiones del país.
En el Salón Iberoamericano descubrirán la unidad de la América Latina y el mestizaje desde la mirada de Raúl Anguiano; la Imagen del Hombre de Luis Nishizawa y, como parte del 5º Festival de Ofrendas y Arreglos Florales del Centro Histórico, el Altar de Día de Muertos que rescata el mural perdido “Caperucita Roja” de Carlos Mérida, basado en la adaptación del cuento clásico escrito por la poeta Gabriela Mistral.
Este fin de semana, además, se rinde homenaje a las muralistas mexicanas Aurora Reyes Flores, María Izquierdo Gutiérrez, Electa Arenal y Huerta, Elena Huerta Múzquiz, Fanny Rabel Duval y Rina Lazo Wasem, quienes como en el cuento de Mistral, enfrentaron a sus propios “lobos feroces” para expresarse a través del muralismo y abrirse paso en el panorama artístico nacional.
Resalta el recuerdo al magisterio nacional en la figura de Rita Rosaura Cetina Gutiérrez, quien fue maestra, poeta y feminista mexicana que fundó la revista Siempreviva e impulsó el derecho de las mujeres a la educación.
Como un homenaje a la maestra yucateca, en el gobierno de la Presidenta Claudia Sheinbaum Pardo, “Rita Cetina Gutiérrez” da nombre a la beca universal de Educación Básica que, a partir de enero del próximo año, beneficiará a más de 5.3 millones de estudiantes en 36 mil secundarias públicas de las 32 entidades del país.
Está disponible, también, el Taller de mariposas para que niños y adultos dejen un mensaje para sus seres queridos y lo compartan con quienes asisten a este recinto.
“Las mariposas se asocian con la transformación y el ciclo de la vida. En diversas culturas, se les considera mensajeras del mundo espiritual, portadoras de mensajes tanto de quienes han partido como de los vivos hacia los muertos. Se cree que su vuelo facilita esta comunicación, creando un puente entre los dos mundos”.
Los murales se encuentran en todo el edificio histórico de la SEP ocupando: 1,585 m2 de frescos de Diego Rivera distribuidos en 235 piezas; un mural de 447 m2 de David Alfaro Siqueiros; 330 m2 de pinturas de Roberto Montenegro y otras obras de Luis Nishizawa 52 m2, Raúl Anguiano 24 m2, José Chávez Morado 31 m2, Manuel Felguérez 120 m2, Federico Canessi y Erick Mose 78 m2, entre otros.
El Museo Vivo del Muralismo abre sus puertas de miércoles a domingo de 10:00 a 18:00 horas de manera gratuita.
A partir del mes de octubre el MVM inició su participación en la Noche de Museos de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, que se realiza el último miércoles de cada mes en horario extendido de 17:00 a 20:00 horas.
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La Autónoma se alista para un evento espectacular para celebrar el Día de Muertos, que incluirá una variedad de actividades culturales y artísticas para todos los asistentes
Una vez más, la Universidad Autónoma de Guadalajara (UAG) se llenará de color y tradición para celebrar el Día de Muertos con el parque temático “Miktlán: México Sensacional”.
Este evento se realizará el próximo viernes 1 de noviembre en Ciudad Universitaria, el cual consistirá en una festividad artística y cultural que rendirá tributo a nuestros antepasados y a la rica herencia mexicana, asociada con esta celebración.
Cabe resaltar, que este tipo de eventos se realizan en la UAG con el objetivo de preservar los valores, cultura y tradiciones mexicanas, las cuales ha promovido a lo largo de sus 89 años de historia.
Además, busca fomentar la participación de su comunidad en actividades artísticas y culturales.
Actividades destacadas
Los asistentes podrán disfrutar de una amplia variedad de actividades que resaltan la riqueza artística y cultural de México.
Entre las principales atracciones están:
Altar Institucional
Además, en el marco del Miktlán se realiza el Altar Institucional de la UAG, que en este año recuerda a célebres personajes que dejaron huella en esta institución. Ellos son el Lic. Diego Ayala Navarro, el Dr. Ricardo Ruvalcaba Barajas, la Sra. Beatriz Rosario Torres de Tinoco y el Arq. Carlos Zepeda Jaramillo.
Este evento, gratuito y abierto a toda la comunidad, se llevará a cabo el viernes 1 de noviembre a partir de las 19:00 horas en Ciudad Universitaria, ubicada en Av. Patria 1201, Col. Lomas del Valle.
“Miktlán: México Sensacional” promete ser una experiencia inolvidable, llena de color, alegría y un profundo respeto por nuestras tradiciones. Registra tu asistencia aquí: https://bit.ly/MiktlánMéxicoSensacionalUAG2024
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Este gran proyecto cinematográfico busca crear una animación que no solo destaque por su calidad visual y narrativa a nivel internacional, sino que también celebre y difunda las tradiciones, el arte y la riqueza cultural de México. Mediante una narrativa poderosa y una estética innovadora, esta película de Graco Films aspira a convertirse en un símbolo de nuestro patrimonio y contribuir al poder blando de México, proyectando lo mejor de nuestro país al mundo.
Ciudad de México, a 29 de marzo de 2024. En un anuncio que promete marcar un hito en la industria del cine y la animación en México, Gerardo Rodríguez, experimentado director y productor con trayectoria internacional presentó su más reciente proyecto, Catarina. Esta película de Graco Films no es solo una historia fascinante, sino también una “carta de amor a México” que busca capturar la esencia y la magia de nuestro país para compartirla con el mundo. Con una visión innovadora y una narrativa inspiradora, Catarina representa una apuesta audaz para reposicionar el cine mexicano en el mercado global.
Para hacer realidad este proyecto y llevarlo a mercados internacionales, es fundamental contar con el respaldo de inversores en México. Con su apoyo, dijo Gerardo Rodríguez en rueda de prensa, Catarina podrá alcanzar su máximo potencial tanto en términos de coproducción como de distribución mundial para que la gente se enamore de Catarina, La Muerte y Roque, los primeros personajes dados a conocer este mediodía.
Catarina nace del profundo amor de Gerardo Rodríguez por el Día de Muertos, una festividad llena de colores, tradiciones y simbolismos únicos. Con esta película animada, Rodríguez no solo busca rendir homenaje a nuestras raíces, sino también transportar al espectador en un cautivador viaje emocional y visual a través de vibrantes alebrijes, detallados grabados y enigmáticas máscaras, que cobrarán vida en una narrativa llena de magia y simbolismo. En cada escena, Catarina celebra la diversidad y riqueza del arte popular mexicano, destacando la esencia cultural que hace única a esta festividad.
En un momento en que la cultura mexicana brilla en el panorama internacional, Rodríguez presenta Catarina como una oportunidad sin precedentes para inversionistas y colaboradores que deseen sumarse a un proyecto que nace de México, de los mexicanos, para el mundo. Esta película, que será creada con la técnica de animación cuadro por cuadro (stop motion), tendrá el potencial de posicionar a México como líder en la industria de la animación, llevando la esencia de nuestras tradiciones y nuestro arte a los escenarios más destacados del mundo.
“Queremos que Catarina se convierta en un emblema de la cultura mexicana a nivel mundial”, declaró Gerardo Rodríguez en la rueda de prensa celebrada en el histórico Hospital de Jesús, en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Rodeado de murales en una edificación de cinco siglos de antigüedad, el director señaló que está en contacto con destacados guionistas y expertos internacionales en guionismo, stop-motion y animación, para buscar su incorporación al equipo y asegurar una producción de la más alta calidad, digna del nombre de México.
Gerardo Rodríguez destacó que Catarina no es solo un proyecto artístico, sino una vibrante celebración de nuestra identidad. “La esencia de _Catarina_ reside en su autenticidad; buscamos mostrar lo mejor de México en la gran pantalla”, afirmó. Inspirado por su amor hacia las artesanías mexicanas y el Día de Muertos, Rodríguez compartió que la película refleja una conexión profunda con las tradiciones que han moldeado su vida. “Desde niño, he sentido un vínculo especial con estos elementos. Esta película es una extensión de ese lazo, una carta de amor a nuestra cultura”, expresó con emoción.
La historia de Catarina sigue a una hermosa y egoísta joven que, tras su muerte, emprende el viaje más trascendental de su existencia en el inframundo. Con la misión de encontrar una flor mágica para reunirse con su amado, su travesía se convierte en una exploración de valores esenciales: la amistad, el amor y el sacrificio, recordándonos la importancia de vivir cada instante con intensidad y propósito.
Rodríguez subrayó que, al trabajar con la técnica artesanal de stop-motion, Catarina se transformará en una verdadera obra de arte en movimiento. “Cada fotograma es una pieza única”, explicó, destacando que esta técnica permitirá capturar la riqueza de la cultura mexicana de una forma visualmente poderosa y emocionante.
Aunque películas como Coco y El Libro de la Vida han rendido homenaje a la cultura mexicana y han dejado una huella significativa en la industria, Catarina busca llevar esta narrativa a nuevas alturas. Según su creador, Gerardo Rodríguez, la película, ambientada en 1810, presentará una historia original que explorará con profundidad el significado cultural y emocional del Día de Muertos. “Queremos ofrecer un espectáculo verdaderamente auténtico, visual y único, una experiencia que se sienta como un puente directo a las raíces de nuestro pueblo y su legado”, expresó. Con Catarina, el equipo aspira no solo a contar una historia, sino a abrir una ventana que muestre al mundo la riqueza y la complejidad de nuestra tradición, tocando el alma de quienes la vivan.
Invertir en Catarina es mucho más que apoyar una película; es ser parte de un movimiento que busca posicionar a México en el corazón de la cultura global. Esta obra, con un guion cautivador, un arte visualmente espectacular y un equipo comprometido de talentos mexicanos e internacionales, está diseñada para convertirse en un símbolo de lo que nuestro país puede ofrecer al mundo, un testimonio de nuestro poder creativo y nuestra rica identidad.
Gerardo Rodríguez, el director y productor detrás del proyecto, destaca la importancia de que el capital inicial provenga de México. Catarina es una oportunidad única para que inversionistas visionarios formen parte de una obra que no solo dejará huella en la industria cinematográfica, sino que posicionará a México como un líder en la escena global.
Con el espíritu del Día de Muertos como inspiración, Catarina no solo mostrará nuestras tradiciones y arte al mundo, sino que promete abrir nuevas puertas para el turismo cultural y la fascinación por México. Este proyecto, en palabras de Rodríguez, ” nos hará ver lo maravilloso de nuestra cultura, de sus artistas y el arte de una manera fresca, espectacular, innovadora e inspiradora”.
Catarina representará un impulso decisivo para las industrias creativas y culturales en México, demostrando al mundo toda la riqueza, el talento y la innovación de nuestro país, que solo necesita que se crea en ellas y se les apoye. Esta es nuestra oportunidad de mostrar al mundo lo que realmente somos: un país vibrante, lleno de historias, arte en cada rincón y sobre todo listo para brillar.
El objetivo de la película es que con cada escena, cada personaje y cada detalle visual, Catarina se convertirá en un poderoso reflejo de nuestro legado cultural, un escaparate del alma de México que cautivará audiencias globales. Esta es más que una simple película: es un tributo que invita al mundo a descubrir, amar y celebrar la esencia de México. Es una gran oportunidad para soñar y volver este sueño una realidad.
Graco Films es un estudio mexicano de animación, fundado en 1997 y especializado en Stop Motion y animación 3D. Con experiencia en proyectos internacionales en Japón, Estados Unidos y Canadá, Graco Films destaca por su profesionalismo y calidad en cada producción. La combinación de técnica y visión global lo consolida como un referente en la animación en México
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Notipress.- El Gobierno del Estado de México, a través de la Secretaría de Cultura y Turismo, trabaja para preservar las técnicas artesanales mexiquenses, incentivando a nuevas generaciones a continuar con este legado. Un ejemplo destacado es la elaboración del papel picado, una artesanía presente en festividades como el Día de Muertos, la Navidad y eventos sociales.
Sergio Martínez, artesano de segunda generación de Metepec, menciona que “los dibujos son a petición de los clientes, pero en esta temporada destacan las catrinas y los charros, inspirados en José Guadalupe Posada”. Su trabajo es reconocido por su precisión, ya que utiliza técnicas tradicionales con cincel y tijeras.
Martínez ha llevado la belleza del papel picado más allá de México, exponiendo en lugares emblemáticos como la Ciudad Prohibida en China y el Royal Ontario Museum en Canadá. “El reto más grande hasta la fecha fue exponer en la galería del Royal Ontario Museum, en Canadá”, explicó el artesano en un comunicado al que accedió NotiPress.
El maestro también destaca la importancia de apoyar a quienes mantienen viva esta tradición, frente a la competencia de las máquinas láser, valorando la dedicación de los artesanos del Estado de México, quienes contribuyen a un “Destino Hecho a Mano”.
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La alumna extranjera eligió a la Autónoma de Guadalajara para aprender el idioma y sobre la cultura mexicana
Como parte de su compromiso con la educación y preparación de clase mundial, la Universidad Autónoma de Guadalajara (UAG) tiene programas que promueven el intercambio y formación de jóvenes y profesionales, tanto mexicanos como extranjeros.
De esta manera, el Programa Español y Cultura Mexicana atrae a cientos de extranjeros cuando vienen de intercambio a nuestro país.
Aprende cultura e idioma
Tal es el caso de Aoi Konishi, una ingeniera japonesa que desde septiembre tomó clases de español en la UAG y quien actualmente labora como Coordinadora de Proyectos en la empresa Mitsui & Co. Infrastructure Solutions.
“No sabía absolutamente nada de español, fue un gran reto para mí, fueron muchas horas de estudio, tenía que lograr hablar, entender, escribir y leer para comunicarme con mis compañeros mexicanos y poder trabajar por un año y medio en Ciudad de México”, explicó Aoi Konishi.
Además, compartió que al principio tenía miedo por la mala fama de inseguridad que tiene México, sin embargo, su experiencia fue muy diferente a lo que pensaba.
“La gente es muy amigable y solidaria, me gusta la gran variedad gastronómica de México y Guadalajara es una ciudad muy bonita, con buen clima y en la UAG todos me han ayudado con gran profesionalismo y mucha calidez”, refirió.
De turismo por México
También tuvo actividades complementarias y ha visitado lugares emblemáticos del país como Tequila, Puerto Vallarta, León, Tulum, Ciudad de México y Guanajuato, entre otros.
“Tomó 18 cursos de español, 10 de español general y 8 cursos con temas especializados como emprendimiento, arte y cultura mexicana, en total tuvo 720 horas de capacitación en seis meses”, informó Saida Álvarez, Jefa del Centro Internacional de Idiomas de la UAG.
La UAG siempre ha mantenido una buena relación con instituciones asiáticas, ya que desde hace más de 41 años recibe a estudiantes que vienen de intercambio, gracias a los convenios de colaboración con universidades y empresas de Asia.
“La promoción de nuestra cultura como patrimonio de la nación es vital para comprender y preservar todos y cada uno de los detalles de la identidad mexicana”, señala el diputado de Morena
Palacio Legislativo, 24-07-2023, (Notilegis). -El diputado Mario Alberto Torres Escudero (Morena), secretario de la Comisión de Asuntos Migratorios, presentó una iniciativa que busca garantizar la promisión de la cultura mexicana en el extranjero, a fin de preservar la identidad mexicana de quienes habitan fuera del territorio nacional.
En rueda de prensa, explicó que su propuesta busca “promover la cultura mexicana en el extranjero, incluyendo la participación de las y los mexicanos que residen fuera del país, ya que es necesario contribuir a la cultura como un ente dinámico, de beneficio y participativo de las sociedades que funge como cuna de la ideología personal y colectiva, redefiniéndose con el paso de los años”.
“La promoción de nuestra cultura como patrimonio de la nación es vital para comprender y preservar todos y cada uno de los detalles de la identidad mexicana. Por ello, es que la propuesta presentada busca reconocer el efecto importante de arrastre cultural que los movimientos migratorios han ocasionado a lo largo de los años”, abundó.
Asimismo, dijo, ingresó una serie de puntos de acuerdo para atender problemáticas específicas de la comunidad migrante. El primero, es un exhorto a la Secretaría de Gobernación (Segob) y a las entidades federativas a establecer los mecanismos necesarios para la dispensa de la apostilla a la comunidad en retorno.
Así como un exhorto dirigido a la Secretaría de Relaciones Exteriores (SRE) y al Instituto de los Mexicanos en el Exterior (IME), a fin de replicar la ventanilla de atención integral a pueblos originarios e indígenas de México en cada consulado ubicado en Estados Unidos.
También, abundó, solicitó a la Secretaría de Salud atender la salud mental como un derecho de los mexicanos y mexicanos en retorno
Finalmente, resaltó la necesidad de que el Instituto Nacional Electoral (INE) establezcan un modelo de atención para toda la comunidad que reside fuera de México.
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Fechas: Sábado 18 (de 17:00 a 19:00 hrs) y Domingo 19 de Junio (8:00 a 13:00 hrs)
Lugar: Galería Caracol Púrpura, ubicada en calle 60 #466, Mérida, Centro.
Muy cerca del parque Santa Lucía.
Entrada libre.
Organizan: Galería Caracol Púrpura. Leer por Placer A.C. y Seminario de Cultura Mexicana.
Galería Caracol Púrpura, Leer por Pacer A.C. y el Seminario de Cultura Mexicana con corresponsalía en Mérida, Yucatán, te invitan a asistir con tu familia este Sábado 18 y Domingo 19 de Junio, a la FERIA ITINERANTE, LIBROS AL PASO DE TODOS Y TODAS.
La entrada es libre y además de poder adquirir una maravillosa colección de los mejores títulos literarios, podrás disfrutar de música en vivo la noche del sábado y teatro infantil, el domingo por la mañana, en compañía de tus amigos y familia. ¡Es un evento con sorpresas para todos y todas!
Acude este Sábado 18 desde las 5pm y el Domingo 19 de Junio, a partir de las 8am, a disfrutar de un fin de semana lleno de literatura y excelentes eventos culturales en Galería Caracol Púrpura. Ubicada sobre la Calle 60, #466, muy cerca del Parque Santa Lucía en el centro histórica de Mérida, Yucatán.
Dentro de la galería podrás encontrar también la más exclusiva selección de artesanías, joyería artesanal, pintura, moda artesanal y elementos decorativos, elaborados manualmente por los más talentosos artesanos y diseñadores en México.
Así mismo podrás deleitar tu paladar con el mejor café de especialidad, en la cafetería PORTAVÍA, ubicada dentro de galería Caracol Púrpura.
Todo está listo para disfrutar un fin de semana inolvidable y lleno de arte y cultura, acompañado de los que más quieres.
FERIA ITINERANTE, LIBROS AL PASO DE TODOS Y TODAS, este Sábado 18 y Domingo 19 de Junio, dentro de Galería Caracol Púrpura. ¡Un viaje artesanal, por las manos de México!
PROGRAMA:
Sábado y domingo: Venta de libros.
Expositores confirmados:
PARTICIPACIONES ESPECIALES
Sábado 18 a las 19:00 hrs
LETRAS FÓNICAS. Lectura de obra acompañada de música.
Velada musical literaria en donde escritoras miembros de Asociación Literaria y Cultural de Yucatán (ALICY) leerán cuentos y poemas propios, acompañadas de música de jam.
Participan: Lizeth Ek, Patricia Carrillo y Suharini Carrillo Farfán, en lectura de obra. En la música Julio Morelos y Bernardo Gervacio.
Domingo 19, a las 10:30 hrs.
Taller de animación lectora: TITIRETEANDO CON LOBOS.
Imparte: Lilith Burgos de la sala de lectura los libros no muerden.
Taller de elaboración de títeres de dedo, dirigido a niñas y niños de 7 a 12 años
Cupo: 12 personas. Actividad patrocinada por el semanario de cultura Mexicana.
Domingo a las 11:30 hrs.
Cuentacuentos: Y TE CUENTO UN CUENTO.
A cargo de la Narradora Oral Beatriz Castillo.
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Realizan XIII Congreso UC-Mexicanistas
Mérida, Yucatán, a 24 de marzo de 2022.- Personalidades del mundo de la literatura y la academia, como Sara Poot Herrera, Rosa Beltrán, Margo Glantz, Carmen Villoro, Ignacio Sánchez Prado y Jacobo Sefamí, entre otras, participan en el XIII Congreso Internacional de UC-Mexicanistas que tiene como tema “Diuturna enfermedad de la esperanza: La cultura mexicana entre la utopía y la distopía”.
Realizado del 23 al 26 de marzo, en el marco de la Feria Internacional de la Lectura Yucatán (FILEY), este encuentro programó 13 sesiones presenciales en reconocido hotel de la zona arqueológica de Uxmal, en Muna y en Mérida, donde se dan cita escritores e investigadores de universidades nacionales y extranjeras.
Es así como las personas participantes ofrecerán sus intervenciones sobre la formulación del pensamiento utópico en distintas épocas y en contextos literarios y culturales.
Este miércoles 23 de marzo, después del evento protocolario de inauguración, se llevó a cabo la primera sesión “Pensar la utopía”, con la participación de Carmen Beatriz López-Portillo Romano, Ignacio Sánchez Prado y Margo Glantz.
Posteriormente, se llevó a cabo la sesión titulada “Paraísos de siempre”, en ella tomaron parte María José Rodilla León, Roberto Domínguez Cáceres y Beatriz Mariscal Hay.
“Utopías y distopías, dos caras del mismo destino”, fue la tercera sesión y contó con la participación de Michael K. Schuessler, Melba Alfaro y Enrique Martín Briceño como ponentes.
Para el segundo día del congreso, este 24 de marzo, se tuvo como sede la Casa de la Cultura Leopoldo Arana, en Muna, donde se desarrolló la cuarta sesión, “De franciscanos, lizardianos y utopianos de otros siglos”, con las ponencias de Blanca López de Mariscal, Assia Mohsinne y Carlos Fregoso Génnis.
Las escritoras Rosa Beltrán, Margo Glantz, Sara Poot Herrera y Carmen Villoro, estarán presentes junto a los autores Álvaro Ruiz Abreu, Jacobo Sefamí, Jorge Souza Jauffred y Santiago Vaquera Vásquez en la quinta sesión, denominada “Creaciones utópicas y distópicas”.
El viernes 25 vuelve el congreso a Uxmal para cinco sesiones más, en las que está programada la participación de Edith Negrin, Alfonso Montelongo, Rafael Acosta Morales, María Guadalupe Sánchez Robles, Tomás Regalado López y Brian Price.
Asimismo, Patricia Saldarriaga, Santiago Vaquera Vásquez, Cheyla Samuelson, Ramón Alvarado Ruiz, María Teresa Mézquita Méndez, Patricia Rosas Chávez, Socorro Venegas y Laura Yadira Munguía Ochoa.
También estarán en esa jornada, Blanca López de Mariscal, María Teresa Miaja de la Peña, Kent Dickson, Maite Zubiaurre, Maricruz Castro Ricalde, Jorge Souza Jauffred, Carmen Villoro, Blanca Luz Pulido y Carlos Martín Briceño.
Quienes se encuentren en la capital yucateca podrán asistir a las dos últimas sesiones de este congreso, que se realizarán en el Auditorio Manuel Cepeda Peraza del Centro Cultural Universitario el sábado 26 de marzo de 17:00 a 19:00 horas.
De esta manera, se tendrán las sesiones de “Utopías en tono femenino”, con cuatro intervenciones que interpretan o revisan la obra de autoras de habla hispana como Fernanda Melchor y Cristina Rivera Garza; y “Alrededor de Rosa Beltrán”, sobre la obra e ideas de la más reciente ganadora del Premio Excelencia en las Letras “José Emilio Pacheco”.
Las ponencias correrán a cargo de Ana Rosa Domenella, Eloísa Alcocer Vázquez, Álvaro Ruiz Abreu, Ramón Alvarado Ruiz, Assia Mohssine, Jacobo Sefamí, Pablo Brescia, Oswaldo Estrada, Sara Poot Herrera y Beatriz Mariscal Hay.
En la última actividad de este congreso, a las 19:00 del mismo día 26, en el Auditorio Manuel Cepeda Peraza Rosa Beltrán dialogará con Margo Glantz, una de las máximas escritoras contemporáneas en castellano, como parte del ciclo Constelaciones Literarias.
Los eventos realizados en el Centro Cultural Universitario serán transmitidos por el canal de YouTube FILEY TV.
El programa general de actividades, que incluye el detalle de sedes, horarios y participaciones del XIII Congreso Internacional “Diuturna enfermedad de la esperanza: La cultura mexicana entre la utopía y la distopía”, se encuentra en la página www.filey.org
Boletín de prensa
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Este ritual constituye un patrimonio fundamental de la cultura mexicana, afirma la diputada de Morena
Palacio Legislativo, 18-02-2022 (Notilegis).- La diputada María Eugenia Hernández Pérez (Morena) exhortó, por medio de un punto de acuerdo, a las secretarías de Cultura, de Turismo y de Bienestar a que implementen una estrategia coordinada para brindar apoyos sistemáticos en salud, seguro de vida, vestimenta, equipo y logística a los Voladores de Papantla.
n conferencia de prensa, acompañada de integrantes de su bancada, la legisladora expuso que los Voladores de Papantla constituyen un patrimonio fundamental de la cultura mexicana, que remonta sus raíces a la época prehispánica y, por lo tanto, es portadora de riqueza y diversidad cultural de los pueblos indígenas.
Señaló que, aunque esta expresión cultural surgió en la ciudad de Papantla de Olarte, en Veracruz, se puede apreciar en diversas zonas arqueológicas y municipios de la República mexicana.
Recordó que el 30 de septiembre de 2009 la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO, por sus siglas en inglés) declaró este ritual como Patrimonio Inmaterial de la humanidad.
“Se tomó en cuenta que este ritual existe desde el año 600 antes de Cristo y expresa principios y valores fundamentales de la cosmovisión indígena que, de acuerdo a la tradición totonaca, en épocas lejanas durante un periodo de sequía y hambruna, los sabios ancianos enviaron a mensajeros sacerdotes (los voladores) para brindar ofrendas a los dioses y pedirles lluvia”, comentó.
Hernández Pérez subrayó que quienes aún practican esta ceremonia no reciben ningún tipo de apoyo, y su único ingreso es la cooperación de los espectadores al concluir una representación.
“Como coordinadora de educación, ciencia, tecnología y cultura del Grupo Parlamentario de Morena impulsaré, con el valioso apoyo de mis compañeras y compañeros diputados, acciones concretas para apoyar a los creadores y promotores culturales para difundir sus obras y rituales”.
En su oportunidad, la diputada Flora Tania Cruz Santos, presidenta de la Comisión de Educación, reiteró el exhortó a las citadas secretarías a atender las necesidades de los Voladores de Papantla, “ya que es una situación a la que este gobierno ha sido sensible”
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Se elevan penas para quien se apodere de un monumento o inmueble histórico
Garantizar la paridad de género en la integración del Seminario de Cultura Mexicana
La Comisión de Cultura y Cinematografía, que preside el diputado Sergio Mayer Bretón (Morena), aprobó un dictamen para aumentar las penas a quien se apodere de un monumento o inmueble histórico, y otro a fin de incluir la perspectiva de género en la integración del Seminario de Cultura Mexicana.
También avaló dos puntos de acuerdo: uno, para exhortar a la Secretaría de Cultura a establecer medidas de emergencia a fin de mitigar las afectaciones económicas de artistas. El otro tiene el propósito de evaluar la candidatura del juego de pelota “Ulama”, como patrimonio cultural inmaterial ante la UNESCO.
Dictámenes
Un primer dictamen aprobado por la Comisión reforma el artículo 51 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos. Aumenta la sanción de prisión, de cinco a doce años, y multa de tres mil a cinco mil Unidades de Medida y Actualización (UMA), a quien se apodere de un monumento arqueológico, histórico o artístico sin consentimiento de quien puede disponer de él con arreglo a la Ley.
Además, se adiciona el artículo 55 Bis al mismo ordenamiento, con la finalidad de establecer multa de tres mil pesos al que no lleve a cabo el registro de monumentos históricos muebles a que se refiere la ley.
También validaron el dictamen a una iniciativa que reforma los artículos 2, 3 y 4 de la Ley Orgánica del Seminario de Cultura Mexicana, para adecuarla al marco jurídico actual y establecer la paridad de género en la conformación de los miembros titulares y la Mesa Directiva de este organismo.
El presidente de la Comisión, diputado Mayer Bretón, destacó la relevancia del dictamen en el marco del Día Internacional de la Mujer, que se celebra el 8 de marzo, y la importancia de tomar en cuenta la paridad de género.
Puntos de acuerdo
Diputadas y diputados de la Comisión avalaron un punto de acuerdo para exhortar al Ejecutivo federal, gobernadores, ayuntamientos y alcaldías, a vincularse con el sector privado, sociedad civil y academia a fin de disponer las medidas emergentes para mitigar las afectaciones económicas a los autores, creadores, ejecutantes, promotores y todas las personas involucradas en actividades culturales, artísticas y de preservación del patrimonio cultural de nuestro país.
Lo anterior, por los efectos devastadores en materia social y económica causados por la pandemia que azota al sector cultural y artístico de México, toda vez que sus actividades principales de sustento han sido canceladas y suspendidas desde hace ya casi un año.
La instancia legislativa también validó un punto de acuerdo para exhortar al Ejecutivo federal y a la Secretaría de Cultura, así como a sus áreas administrativas, a formular, establecer y evaluar la candidatura del Ulama como patrimonio cultural inmaterial ante la UNESCO para que sea discutida y registrada ante el comité.
El Ulama es el juego de pelota que data de tres mil 500 años de antigüedad, considerado de suma importancia por la cantidad de canchas encontradas en todo el Continente Americano. Es el juego prehispánico más remoto, por lo que es factible su clasificación como patrimonio cultural inmaterial de la humanidad, argumenta el exhorto.
Opinión positiva
De igual forma, se aprobó la opinión positiva de la Comisión a la reforma a la Ley del Impuesto al Valor Agregado, en materia de plataformas digitales y financiamiento a la inversión y estímulos al cine, cuya dictaminación la realizará la Comisión de Hacienda y Crédito Público.
Se señala que el último informe del Servicio de Administración Tributaria manifestó un incremento a la recaudación al régimen de las plataformas y streaming (transmisión de contenido multimedia por Internet) a través del IVA, que alcanzó 5 mil 445.8 millones de pesos en el primer trimestre a partir de que entró en vigor.
La reforma, indica la opinión, contribuiría a la producción cinematográfica de calidad en los términos de la normatividad fiscal y cultural aplicables.
En tal sentido, el diputado Mayer Bretón dijo que las plataformas digitales han generado 5 mil 445.8 millones de pesos por el pago del IVA. La mayoría difunden o son alimentadas por contenidos de la cinematografía y juegos, por eso la Comisión solicitó que una parte fuera destinada a apoyar al cine de calidad.
Es una buena propuesta para seguir apoyando a los creadores, especialmente de contenidos en cinematografía. “Con esto revertimos, de alguna manera, el tremendo golpe que se les dio al desaparecer el fideicomiso”.
Subrayó que la idea es que haya un porcentaje de lo que se recauda en las plataformas digitales, que exponen contenidos de video, series y películas y que esto tengan una retribución a los creadores.
Sobre la desaparición del fideicomiso del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca), indicó que se creó a través de la Secretaría de Cultura un sistema de apoyos a los creadores, con lo cual se va a mantener el mismo patrocinio económico que se les estaba dando.
Refirió que desde el año pasado en el paquete legislativo se presentaron diversos mecanismos para respaldar a todos los artistas en las instituciones vinculadas con la cultura para el rescate de sus actividades.
Parlamento abierto sobre monumentos históricos
Durante la reunión, el diputado Mario Ismael Moreno Gil (Morena) propuso organizar un parlamento abierto para analizar y dar seguimiento al tema de monumentos históricos del siglo XX y se consideren en las edificaciones enlistadas por la ley, porque son “de vital importancia”.
El diputado Mayer Bretón indicó que en la junta directiva se acordó la realización de estas mesas de trabajo a las que se invitará a titulares de instituciones, funcionarios y expertos. Resaltó la importancia de los monumentos históricos de los siglos XVI y del XX y manifestó que es necesario cuidar las edificaciones enlistadas en la ley, y que no sólo sean catalogadas por los municipios o estados, sino también por instituciones y tengan el respaldo de la Federación.
Boletín de prensa
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Es un homenaje a quienes han fallecido en el marco de la pandemia, comentó
Esta tradición es parte de la identidad de la cultura mexicana, agregó
Al inaugurar la ofrenda con motivo de Día de Muertos en el Palacio Legislativo de San Lázaro, la presidenta de la Mesa Directiva de la Cámara de Diputados, Dulce María Sauri Riancho, expresó que se trata de un homenaje a las y los muertos en el marco de la pandemia del COVID-19, que desgraciadamente, en esta comunidad, han sido 22 personas.
Indicó que para la Cámara de Diputados tiene una profunda significación este altar; la Secretaría General hizo un esfuerzo importante no sólo para mencionar a las 22 personas fallecidas, sino para colocar –como la tradición señala- sus fotografías, sus rostros, en esta plaza que tantas veces los vio cruzarla para hacer su trabajo, ya sea legislativo u otro apoyo invaluable que permite que esta maquinaria de la Cámara funcione.
Más que palabras, dijo, hay que darles rostro y, en cada nombre, el agradecimiento profundo de la Cámara de Diputados a su trabajo, dedicación y entrega. “No todas y todos los compañeros fallecieron víctimas del COVID, pero sí la mayoría”.
A continuación, la diputada Dulce María Sauri Riancho nombró a las 22 personas:
Diputado Miguel Acundo González, Guadalupe Ramírez Flores, Juan Manuel Sánchez Moya, Filemón Hernández Morales, René Gerardo Oviedo Ramos, Raúl Girón Ordoñez, Roberto García González, Sara Elia Belmares Castilla, María Teresa Santos Ventura, Joaquín Vidal Oriente, Miguel Ángel Casados Florencia, Robert Alexander Endean Gamboa, Gabriela Suárez Ossio, quienes fallecieron por COVID.
Salvador Castruita Cruz, Cecilia Licona Vite, Jerónima Gabriela Hernández Soto, Ismael Medellín Hernández, Alfredo Corral Espinoza, Jesús González Hernández, José Armando Bernal Espinoza, Blanca Estela Cuevas, Faustino Ortega González, quienes fallecieron por otras causas.
“A ellos, a su memoria, está dedicado este altar que la Cámara de Diputados instala este 2020”, concluyó.
La diputada presidenta destacó la tradición centenaria que se realiza en los hogares mexicanos durante los primeros días de noviembre y que significa un recuerdo de la familia o amigos. “Es un recuerdo en su memoria, sobre lo que a ellas o a ellos les gustaba comer, beber o entretenerse. Para la cultura mexicana el recuerdo y la presencia de las o los que murieron, es parte esencial de nuestra identidad”, comentó.
A la inauguración de la ofrenda también asistieron la vicepresidenta y vicepresidente de la Mesa Directiva, Dolores Padierna Luna, y Javier Azuara Zúñiga; las secretarias de este órgano de gobierno, diputadas María Guadalupe Díaz Avilez, Karen Michel González Márquez, Martha Garay Cadena, y Mónica Bautista Rodríguez.
También la coordinadora del PRD, diputada Verónica Juárez Piña, el coordinador de Encuentro Social, diputado Arturo Argüelles Victorero, y la secretaria general de la Cámara de Diputados, Graciela Báez Ricárdez.
Boletín de prensa
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Contrapesos en tensión
Por Por Silvia Cherem S.
E-mail: silviach@entrevistas.com.mx
Al perder a su padre a los 8 años, Manuel Felguérez escuchó de boca de su madre una advertencia lacónica: “Jamás regreses a Valparaíso, nos matarán a todos”. De su origen zacatecano y su recio abolengo sólo quedaban migajas, enemigos e incertidumbre, y lejos estaba entonces de imaginar que más de seis décadas después regresaría a Valparaíso, ya no para batirse a balazos o recuperar las haciendas usurpadas en San Agustín del Vergel, sino para ser homenajeado como hijo pródigo del pueblo.
Felguérez (Zacatecas, México,1928), a cuyo nombre y legado está dedicado el Museo de Arte Abstracto del Estado de Zacatecas – uno de los más completos y hermosos recintos de arte moderno del país –, comenzó a descollar desde los años cincuenta como figura pública. No por su parecido con el famoso “rebelde” James Dean – mismo copete engominado, ojos claros y rostro bonito –, sino por su pintura abstracta, su oposición contra la hegemonía de la Escuela Mexicana de Pintura, y sus murales estridentes que inauguraba con happenings de Alejandro Jodorowsky generando tumultos y jaleos.
Sin embargo, a diferencia de otros artistas que construyeron una leyenda con escándalos, a él ni la fama ni los reflectores lo doblegaron a exhibir su intimidad. Cuando todos corrían a tenderse en el diván del psicoanálisis, por convicción él azotó la puerta. Selló los días hasta contra sí mismo evitando que su arte “se contaminara” con sus estados de ánimo o con las amarguras que le imponía el destino y, metódico hasta el empacho, inventó su propia armonía conjugando el orden y la exactitud estéticas.
Casi con 75 años, Felguérez, quien fuma pipa con tabaco de habano aunque la ronquera crónica amenace con apagar definitivamente su voz, aceptó someterse a la “tortura de la confesión”. En su casa, construida por él mismo en Olivar de los Padres, donde vive desde hace 28 años con su tercer esposa, Mercedes Oteyza, casada antes con Juan García Ponce, conversamos varios días de sol a sol, sólo haciendo una pausa para un caldito y los reglamentarios dos tequilas del medio día y los dos whiskys de la noche.
Rodeada de arbolados jardines, uno se olvida que su hogar está en un barrio de vecindades. En la sala hay cuadros suyos de casi todas las épocas, están las fotos con los amigos pintores de “La ruptura”, los soldaditos de plomo que se robó de niño, su colección de maquinarias que incluye relojes y cajas de toques, y los huesos sueltos o esqueletos de animales de los cientos que algún día atrapó. Están también las vasijas arqueológicas que compró en Perú con su segunda mujer, la pintora Lilia Carrillo, y souvenirs de Egipto y la India, de cuando viajó con Mercedes, a quien cariñosamente llama Meche. Todo el mobiliario y las lámparas de bronce sinuoso con pantallas de flequitos los heredó de su abuela, y es justamente en las gavetas de uno de aquellos elegantes archiveros en donde mantiene en el olvido los dolorosos recuerdos familiares.
Del rancho a la farándula
Manuel, poco se sabe de tu vida en Valparaíso, cuando vivías en San Agustín del Vergel entre dos cascos de viejas haciendas, a un lado de la iglesia, apenas bajando el río. Háblame de tus padres, de los primeros recuerdos…
Mi padre era hacendado, nieto, bisnieto y tataranieto de terratenientes, pero como los hacendados tenían mala fama, no sé si mi padre fue o no un hombre bueno. Le encantaba llevarme a corridas de toros y, siendo apenas un pequeñito, un día me puso a torear, el ternero me corneó y él, sin más, sacó la pistola y lo mató. Fui el primogénito y me crié con los hijos de los peones; con ellos jugaba y dizque estudiaba porque como era “hijo del patrón” el maestro se intimidaba. Ordeñaba vacas, montaba mi enorme caballo negro y jugaba en el río en un tronco que me vaciaron para poder remar. Estando en aquel barquito, una vez me pasó encima una caballada desbocada y, tiempo después, sobreviví entre tiros y ladridos cuando un grupo de generales intentaba matar a una jauría de perros rabiosos.
Cuando tú naciste en 1928, aquella zona había sido escenario de la cruenta guerra cristera.
De la guerra cristera no recuerdo nada, lo que no puedo olvidar fueron los estragos del agrarismo. La lucha armada dejó de ser en defensa de Dios, para convertirse en una defensa de la hacienda. El caporal y los guardias de la casa chica pasaban el día observando el exterior desde las mirillas, y cuando se acercaban los agraristas, que querían ocupar la hacienda a la brava, tocaban las cornetas para darle tiempo a mi madre de poner colchones para protegernos de las tremendas balaceras. Los decretos de expropiación no cesaban y, poco a poco, nos fueron despojando de muchas tierras.
A principios de 1935, mi padre decidió que toda la familia – para entonces ya tenía dos hermanos menores -, nos viniéramos a México para que intentara gestionar ante el gobierno la defensa de la hacienda. Tenía la esperanza de que le dieran cuando menos bonos de indemnización por las tierras expropiadas, pero casi al año de que llegamos, se murió repentinamente.
¿Lo mataron?
No, se enfermó, nunca supe de qué. Un día antes de la Navidad, mi mamá me llamó y me dijo: “dale un beso a tu papá”, y sin más me llevó a casa de mi abuela. Tenía yo 8 años. Un primo me preguntó si no iba a asistir al entierro de mi padre. Ni cuenta me había dado de que estuviera muerto. Mi madre jamás quiso regresar a la hacienda, creía que si lo hacíamos necesariamente nos matarían. Sola y con tres menores, prefirió quedarse en el Distrito Federal cerca de sus padres.
Su familia era dueña del afamado Teatro Ideal, ubicado en la calle de Dolores, y seguramente el cambio de vida, del rancho a la farándula, fue determinante en tu formación.
Totalmente. Vivíamos en un departamentito en la calle de Marsella pero todo transcurría en casa de la abuela, Consuelo Aspe de Barra. Con ella comíamos, cenábamos, asistíamos a misa en la capilla que tenía en la azotea, e íbamos todos los días en coche al teatro. Mientras mi abuela hacía cuentas, nosotros jugábamos, entrábamos y salíamos de los camerinos, o veíamos las obras. Así pasamos como 5 años, hasta que el teatro se perdió por deudas. Aún conservo muchas fotos de esa época.
De un mueble antiguo comienzan a salir las fotografías sepias que las actrices dedicaron a su abuela. Entre muchas otras: Elisa Asperó y María Tubao con diademas con plumas y collares hasta las rodillas sobre camiseros sueltos como dictaba la moda del charleston; Ruth Roland con mirada cándida, y María Conesa chaparrita, de anchas caderas con un almidonado vestido de piñata, capaz de pararse solo por el peso de tantas crinolinas.
Háblame de la relación con tu madre a quien rara vez mencionas.
Era una mujer muy atenta, que no faltara el desayuno o la ropa limpia, pero no sabía cómo educarnos. A mi hermano le rogaba que no fuera a la escuela para que se quedara a acompañarla. Para mantenernos, compró una tienda de abarrotes, “La conquista”, frente a la casa. Yo le ayudaba a hacer bultos con azúcar; en la trastienda vendíamos cerveza y se llenaba de borrachines. Acabó quebrando antes de dos años.
Mi educación la recibí de los hermanos maristas del Colegio México y de los scouts, pero en esos años también me escapaba con las pandillas del barrio. Andaba con el Pinocho, el Chaparro, el hijo del zapatero y el del plomero. Dominábamos una buena tajada de la Juárez. El Olivo Orozco, hijo de un policía y de la juez del tribunal de menores, nos inducía a robar ejércitos completos de soldaditos del Palacio de Hierro. Una vez nos agarraron, pero el Olivo le pidió a su mamá que nos liberara. Con él empecé a tomar, bebíamos anís.
Me encantaba también el box y la lucha libre. No me perdía ni una sola lucha en la Arena México que estaba a dos cuadras de mi casa. Me volví muy amigo de los luchadores, había uno que se llamaba el Murciélago Velázquez, yo le cargaba su petaca y le conseguía los murciélagos que soltaba cuando abría su capa. Otros boxeadores también me invitaban. Ese mundo de la calle y los luchadores era mi mundo negro, mi mundo oculto.
Para contrastarlo eras un aplicado “niño scout”…
Finalmente fue ése el mundo que ganó, estuve en los scouts de los 8 a los 23 años. Me fascinaba cazar animales, bajar los ríos en kayaks o ir en arriesgadas expediciones atravesando violentos rápidos en balsas de hule. En 1953, en el Cañón de las Garzas, atravesando el río Amacuzac, nos arrastró una cascada y regresamos con el cadáver en brazos del doctor Ignacio del Valle.
Mi mejor amigo de los scouts era Jorge Ibargüengoitia. Nos recomendábamos libros, a mí me fascinaba Dostoievsky, a él, Chesterton. Subíamos el Ixtlacíhuatl con la ilusión de llegar a la cima para prepararnos daiquiris con el hielo, y durante toda la adolescencia, organizamos caminatas de 15 ó 20 días con nuestras patrullas: de San Cristóbal de las Casas hasta Palenque; Yucatán de lado a lado.
El nacimiento de una vocación
Con Ibargüengoitia fuiste en 1947 a Francia a un jamboree de los scouts que te cambiaría la vida. Háblame de los detalles de aquel viaje en una Europa devastada…
La guerra había interrumpido los jamborees y para reanudar la tradición, los jefes de México escogieron a los mejores 50 scouts para representar a nuestro país. Entrenamos durante un año – aprendimos danzas indígenas y cantos gregorianos – y cuando ya se acercaba la partida nos dijeron que el viaje costaría 5 mil pesos. Ni Jorge ni yo, huérfanos de padre, podíamos pagarlos. Él ya estudiaba ingeniería, yo estaba en preparatoria. Entristecidos, veníamos caminando por Avenida Juárez después de nadar en el YMCA, cuando nos topamos con una agencia de viajes. Descubrimos unos barcos, de aquellos que en tiempos de guerra sirvieron para transportar militares, que por un pasaje de 140 dólares partían de Nueva York rumbo a Europa. Hicimos cuentas y, con todo y camión, nos alcanzaba con 360 dólares para costear el viaje redondo. Decidimos ir por nuestra cuenta. Se corrió la voz que nos iríamos en el Marine Shark a un precio regalado y, poco a poco, ya éramos 30. Con la deserción masiva, los jefes scouts ya no conseguirían sus pasajes aéreos gratuitos y furiosos acabaron expulsándonos a Jorge y a mí de los scouts. Aún así, partimos.
Después de diez días en el jamboree, Jorge y yo recorrimos de aventones Italia, Suiza, Francia e Inglaterra, alojándonos en las casas de los amigos scouts. Viajábamos en ferrocarriles de carga atiborrados de gente y recuerdo a Jorge gritando: Tutto completo, tutto completo, para que ya nadie más se subiera. En Francia el racionamiento alimenticio era severo, en Suiza nos maravillamos cuando pudimos tomar leche, y en Roma, vestidos con shorts, pañoleta al cuello y sombrero de cuatro golpes, logramos colarnos para ver al Papa. En aquella Europa, sembrada de tumbas, sólo los museos eran gratis y me fascinaron.
Y al final de viaje, en Londres, decides convertirte en pintor.
Sentado en la quilla del barco Discovery, con el que el Capitán Robert Falcon Scott descubrió a principios del siglo XX el Polo Sur, deseé ser pintor. Me conmovió el atardecer con miles de pájaros montados sobre el Puente de Londres y el reflejo del sol dibujado en el río. Corrí al camarote, busqué papel y lápiz, y en el dorso de una propaganda de American Express pinté el Támesis. Le dije a Jorge: mira, ya soy artista. Él soltó la carcajada, no me creyó, pero años después, cuando se convirtió en escritor, escribió que ese día presenció “el nacimiento de una vocación”.
Él también dibujaba. Sus dibujos eran grotescos, quizá cómicos. Quiso ganarse la vida haciéndolos, pero no le funcionó. Al regresar, deseoso de repetir la aventura, inventó un plan tetramestral: cuatro meses trabajaría, en cuatro meses machetearía lo que se ve en un año de ingeniería, y así los otros cuatro meses podría viajar. Acabó tronando el negocio, reprobando la universidad, y sin posibilidades de viajar. Muchos años después, vendería el rancho de su padre y finalmente se decidiría a ser escritor.
A principios de los cincuenta, Jorge y yo íbamos todos los días a El Pilón, una cantina que frecuentaba Rulfo. Nos contaba cómo oía ladrar a los perros y un montón de anécdotas de su vida como agente viajero. El llano en llamas apareció en 1953 y Pedro Páramo en 1955 y en esas páginas literarias estaba todo lo que Rulfo nos contaba con copas encima. Después de ello, por salud, dejó de beber y curiosamente también dejó de escribir.
Tu madre quería que fueras médico…
Cuando le dije que sería pintor creyó ella que encontraba “un término medio” entre la medicina y las artes “plásticas”, sugiriéndome que estudiara cirugía “plástica”. Nunca entré a medicina, me inscribí en San Carlos pero sólo aguanté cuatro meses. Mis compañeros tenían 12 años, los aceptaban al terminar la primaria, y se conformaban con el camino único de la Escuela Mexicana de Pintura. Yo venía de concluir la prepa y de visitar la Capilla Sixtina, y me desesperé de pintar jarritos. Conocí a Jorge Wilmot, un joven muy culto que como yo venía de la Prepa Morelos, y decidimos que nuestro futuro estaba en Europa. Él me introdujo a Klee y a gran parte de los abstractos.
Entre idolitos, alimañas y víboras prietas
Según entiendo no tenías ni un quinto, ¿cómo planeabas regresar a Europa?
A Jorge se le ocurrió una gran idea. Me dijo: “Tú sabes de campo y yo de arqueología, busquemos ídolos”. Caminamos de Xalapa hacia el mar por vereditas en la Huasteca, preguntando de choza en choza. De vez en cuando, nos enseñaban piezas con las que jugaban los niños y se las comprábamos a precios regalados. No existía ninguna conciencia de que eso era patrimonio nacional ni habían leyes de protección. Las pocas piezas que trajimos siempre tenían un pero: “si hubiera tenido la quijada más grande… el penacho más notable…”, se quejaban Diego y Germaine Wenziner, una arqueóloga belga, prima del director de arqueología del Museo de Bruselas, compradores de Wilmot.
Las dos piezas más o menos respetables que conseguimos: un hacha totonaca con un chango, y otra, también totonaca, con un caballero ensombrerado, las compró Germaine. Alguna vez dije en broma que me consideraba “el autor” de la sala precolombina del Museo de Bruselas y Cuevas salió a despotricar contra mí en Excélsior. Dijo que merecía ir a la cárcel por haber sido “traficante de ídolos mexicanos”.
Era tan poco lo que nos pagaban que sólo servía para organizar nuevas expediciones. De 1947 a 1949 recorrimos también Tabasco y Tamaulipas. Más que piezas arqueológicas, conseguí una barbaridad de especies animales para mi colección.
Leí que tenías tu zoológico particular: zorra, tigre, aguililla, tecolote, ochenta ratas blancas, víbora, gatos, boa, lagartijas, arañas. ¿En dónde conservabas tantos animales?
Vivíamos en un departamento del edificio “El buen tono” en la calle de Abraham González y tenía a los animales distribuidos: el tigre encadenado en el hall, al pasar todos le sacaban la vuelta; la lechuza junto al medidor de luz, la zorra en el sótano aunque una vez se soltó, rompió la jaula de las ratas blancas y se comió 80 de un jalón, las lagartijas en el patio, la aguililla agarrada de una pata, las arañas y sus crías en el comedor, la sanguijuela en mi cuarto, la capulina en una ponchera a donde le echaba moscas vivas para que tuviera oportunidad de cazar. Una vez la capulina se llenó de huevecillos y entonces sí, mi mamá protestó: “a esta sí ya me la sacas”.
De cada excursión llegaba con animales. Como quería conservarlos, aún muertos, ya en secundaria le pagué clases a un viejito taxidermista que colaboraba con mi maestro de biología del colegio en la creación del Museo de Ciencias Naturales, y él fue quien me enseñó a disecarlos, vaciar la calavera, reconstruir la forma del animal con alambre y paja, alisar con yeso, y cubrir al animal con su propia piel. Fueron ésas, sin saberlo, mis primeras clases de escultura. Al principio se me pudrían, pero luego ya me fui especializando.
En 1949, acabé regalando a todos mis animales: vivos y muertos. Un par de años antes mi mamá se había casado y aproveché que tomó la decisión de irse al rancho con su marido y mis hermanos para regresarme a Europa.
¿En esos años es cuando consigues una beca del gobierno francés?
No, eso fue mucho después. Mi partida en 1949 tuvo que ver con una experiencia con Jorge Wilmot y Germaine en Bonampak. Por sus relaciones con arqueólogos, Germaine conoció al suizo Charles Frey, quien acababa de descubrir Bonampak, y lo convenció que antes de que llegara la expedición oficial al sitio, las llevara a ella y a su amiga, la princesa rusa desterrada Olga de Wolkonsky. A Wilmont y a mí nos mandó a montar un campamento que facilitara su supervivencia. Volamos de Tenosique a una zona chiclera en medio de la colosal selva, y desde ahí, montados en mulas, con un chiclero como guía, transportamos por caminos de brecha el equipaje, comida y arroz hasta la ladera del río, donde finalmente colgamos las hamacas.
La selva es abrumadora. Al llegar me perdí. Se hizo de noche, los cocuyos comenzaron a desperdigar su luz, y los pajarracos a gritar incesantes. Ya casi de madrugada, comencé a ir voces. Iluminado con antorchas llegó Obregón, un lacandón que luego llegaría a ser muy famoso. Tuve suerte, Frey llegó a su caribal – donde vive un lacandón con sus 6 a 8 protegidas, desde abuelas hasta niñas – y él se ofreció a buscarme.
Estuvimos en Bonampak cerca de dos meses con Germaine y la princesa. Con ayuda de los lacandones que aceptaron trabajar a cambio de chucherías – cuentas para hacer collares, comida, discos y hasta un aparato de música movido por manivela –, Wilmont y yo abrimos caminos y pistas de aterrizaje para la comitiva. Arrasábamos, quemábamos, era un trabajo brutal, siempre invadidos de hormigas. Cuando finalmente aterrizó la primer avioneta, descendió un contingente de elegantes hombres uniformados con cantimploras, pistolas y relucientes botas negras que contrastaban con nuestras garras y barbas crecidas.
Frey, a quien le habían traído la lancha que pidió para navegar en el río Lacanjá, era el jefe arqueólogo, pero sin que se lo imaginara llegaba ya a desplazarlo uno nuevo con nombramiento oficial. Las mujeres partieron en ese primer avión; Wilmot y yo nos iríamos en el siguiente. Alcanzamos todavía a ayudar a Frey a armar su lancha.
Al día siguiente, desayunando en mi cama, me postré ante la nota de ocho columnas del Excélsior: “Tragedia en Bonampak”. Frey murió. Se subió a su lancha con el grabador Francisco Lázaro Gómez y con otra persona, se voltearon y al estarse hundiendo, el grabador grávido de pesadas mochilas, se abrazó de Frey. Ambos se ahogaron. El tercero estuvo perdido durante 15 días en la selva.
La experiencia en Bonampak fue intensa. Dos días antes del final, Germaine nos ofreció a Wilmot y a mí que fuéramos a visitarla a Bélgica. Aproveché un Rover moot (reunión de adultos scouts) en Oslo. Llegué de aventón a Nueva York, ahí vendí cuatro idolitos de Tlatilco para pagar el barco, y como no me alcanzó, viajé como estibador, cargando desde los sótanos hasta la cocina la comida para los mil pasajeros.
Después me quedé nuevamente en Europa viviendo de aventones y limosnas – con una bicicleta atravesé Suecia, la vendí para entrar al Tívoli en Dinamarca; con la generosidad de un soldado americano que me regaló condones y me prestó un uniforme, dormí en los cuarteles de los aliados en Alemania; huí de un elegante francés, jefe de una planta de acero en el Rhin, que se empeñaba en dormir conmigo; viajé en un apestoso camión cargado de huesos de res; en Colonia entré a la corte de los mendigos durmiendo en un refugio antiaéreo, 4 kilómetros de literas y un solo baño debajo de la Catedral –, y finalmente llegué con Germaine.
El París de Zadkine
¿Fue Germaine quien te recomendó con el cubista Ossip Zadkine?
Germaine me dio una carta para Alex Guillan, una escritora comunista francesa – traductora de Gide al ruso y de Marx al francés –, y fue ella quien me abrió las puertas para llegar con Zadkine. Desde que toqué a su puerta en aquel departamentito atiborrado de libros en París, ella me apoyó. Me consiguió mi primer trabajo como vendedor del periódico comunista la Voix du Quatrième, me dio ropa para soportar el crudo invierno parisino, y me ayudó a buscar un chambre de bonne a louer (cuarto de servicio para rentar). Encontramos un cuartucho con papel tapiz morado y amarillo en una azotea, sin baño ni calefacción, y ahí viví aquellos dos años en París.
Como con el periódico ganaba muy poco, me contactó también con el laboratorio de sicología de la sensación del Colegio de Francia. Fui “sujeto de experimentación”. Me hacían pruebas de cansancio visual para encontrar qué luz cansaba menos la vista para instalarla en todas las oficinas burocráticas de Francia. Durante 6 horas diarias yo podía ocupar mi vista en lo que quisiera: dibujar, escribir cartas, leer, y sólo tenía que interrumpir cada media hora para someterme a sus mediciones. Además comencé a cuidar niños; me gustaba hacerlo porque generalmente me daban de cenar.
¿Elegiste tú a Zadkine?
Yo ni sabía de él, Alex me dijo que era el mejor. Tenía sólo 14 alumnos, casi todos extranjeros y mayores que yo. Había alambre y un barril de barro para todos. Zadkine llegaba los lunes, ponía la pose del modelo o la modelo – casi siempre temas griegos: Venus, Atlas, Mercurio, Afrodita –, nos platicaba de piezas artísticas inspiradas por esos dioses, y se iba. Volvía el sábado a la crítica y después de sus comentarios, había que deshacer las piezas para reutilizar el barro.
Yo no quise desbaratar mi trabajo, conseguí un barro barato que pudiera hornearse y comencé a hacer figuritas chiquitas con la idea de traérmelas a México. Todos hacían piezas de más de un metro, y yo apenas de unos cuantos centímetros. Además, influido por Orozco y queriendo hacerme el artista, creaba piezas feas, grotescas. Zadkine corregía a todos, a mí me brincaba. Después de dos meses de silencio, me preguntó: “¿Por qué te pongo una modelo tan bella y tú haces estos esperpentos? ¿Qué tienes contra el cuerpo humano?”
Traté de defenderme. Pensé que no iba a saber quién era Orozco, le mencioné “Los caprichos” de Goya. Me dijo: “Pues haz como Goya, primero pinta a la maja desnuda y luego haz cuanto capricho quieras”. Fue una lección brutal, a partir de entonces comencé mi búsqueda por lo bello.
Además, me insistió que mis figuritas minúsculas no podían ser corregidas. Si quería seguir en el taller, tenía que trabajar en tamaño natural. Nadie iba a conservar nada, ahí se iba a aprender. Tardé meses para lograr que los armazones no se cayeran o torcieran. Zadkine exigía que hiciéramos Zadkines. Sólo enseñaba lo suyo, y nos imponía seguir todas las reglas de su estructura cubista. Era muy enérgico, muy creyente de lo suyo. Cuando alguna figura llegaba a gustarle, de su bolsillo pagaba un molde y la hacía en yeso para exhibirla en la exposición “Zadkine y sus discípulos”. Jamás puso ninguna mía; pero con él, como maestro, me saqué la lotería.
¿Tenías ya resentimiento contra la Escuela Mexicana en esos dos años en que estuviste en Europa (1949-1951)?
Comenzó un poco antes, y ya con Zadkine no pudo haber vuelta atrás. Cuando entré a San Carlos todavía creía, inspirado en Diego, que los temas indígenas serían el centro de mi motivación, pero al conocer en París a Picasso, Braque y Kandinsky, y al aprender de Zadkine, constaté la engañada que me habían dado haciéndome creer que lo único válido era el muralismo mexicano. Me sentí furioso, defraudado. En esa época, además, me convertí a la abstracción. Descubrí una escultura de bolas de mármol de Jean de Arp en el Museo Rodin, y con la obstinación de un converso me aferré al arte abstracto.
Has hablado también de la influencia del escultor rumano Constantin Brancusi a quien también conoces en París…
Vivía yo en Montparnasse y a un lado de la estación, en una casita al fondo, él tenía su taller. Iba casi a diario a curiosear, Brancusi trabajaba en el patio y se acostumbró a mi presencia. No dialogábamos, sólo me decía: “Bonsoir, bon enfant, asseyez toi” (buenas noches, buen mozo, siéntate) y me dejaba verlo. Lo vi trabajar madera y yeso en formas abstractas. Nunca supe si fui una molestia.
Jamás he contado que allá en Europa estuve a punto de convertirme en fraile. Cuando llegaron las vacaciones, se me ocurrió cruzar los Alpes a pie de Austria a Italia. Comencé en el Brenero, y por Modena o Trieste me encontré con otro caminante. Yo iba a Venecia, él a Roma. Me explicó que era el año santo, y que si uno llegaba caminando a Roma, le concedían 15 días de estancia gratuita y el boleto para regresar al lugar donde uno comenzó la caminata. Decidí irme con él de convento en convento. Me gustó tanto la austeridad y humildad franciscana que renació mi religiosidad y quise hacer votos. Sin embargo, al término del peregrinaje, conocí a un fraile ecuatoriano en las catacumbas de Santa Cecilia y, después de pasar con él una noche de absoluta borrachera, me decepcioné, pedí mi boleto para Austria, y regresé a París para proseguir mis estudios
Enamorado por vez primera
¿Y por qué, si estabas tan feliz con Zadkine, te regresaste a México?
Mi abuela estaba enferma y mi madre me escribió pidiéndome que me regresara. Cuando llegué, mi abuela ya había muerto. En México, entre 1950 y 1954 hice muchas cosas: influido por las esculturas de Henry Moore me inscribí en la licenciatura de Antropología e Historia deseoso de entrar en contacto con las piezas arqueológicas; fui a clases de arte moderno en Mascarones con el gran crítico Justino Fernández; y estudié el oficio de la terracota en La Esmeralda con Francisco Zúñiga. Zúñiga era entonces el gran heredero de la Escuela Mexicana y hacía el mural de barro del Faro de Veracruz. Yo le amasaba, golpeaba y mojaba su barro. No fui su ayudante, sólo su chambero.
Y por esa época conoces a Ruth Rohde, tu primera mujer. En una entrevista que te hizo Elena Poniatowska en París en 1955, le dijiste que como no los dejaban casarse “porque ambos estaban muy jóvenes”, te la robaste. Cuando la conociste no estabas “tan joven”, tenías más de 23 años.
Pero ella iba en tercero de secundaria. La conocí en la Alameda, era guatemalteca de origen alemán, y venía con su mamá y sus dos hermanos a visitar a su padre que vivía en México. Me preguntaron una dirección, y como Ruth me gustó, me ofrecí a llevarlos. Nos hicimos novios y de común acuerdo decidimos escaparnos a Puerto Escondido, a donde nadie nos encontraría. De aventones en camiones de carga llegamos hasta Oaxaca, y luego, durante doce días, atravesamos la sierra a pie por caminos de brecha. Después de un tiempo decidimos dar la cara para tranquilizar a nuestras familias. En Mérida ella tomó un par de clases de catolicismo, porque era protestante, y formalizamos la relación ante la iglesia. Ya luego nos establecimos en un cuarto en un segundo piso del Teatro Ideal, donde comencé a hacer esculturas. La gente, más que escultor, me creía cargador porque a diario caminaba por la calle con mis costales de yeso y cemento al hombro. En esa época no vendí ni una sola pieza.
¿Y de qué vivían?
Casi de nada. Trabajaba recogiendo y repartiendo niños en el transporte escolar de una escuelita de Polanco. También diseñaba lámparas para Enrique Anhalt. En 1953 nació mi hija Patricia. Decidimos regresarnos a Puerto Escondido para sobrevivir con más facilidad.
Hice un pacto de amigos con Martín Seidel que fabricaba clavecines, el pintor Luis Jasso, el músico Joaquín Gutiérrez Heras, el bailarín Farnesio de Bernal, y Jutta y Max Kerlow, con quien 10 años después pondría una tienda de artesanías. Quedamos que yo conseguiría tierras en Puerto Escondido, y que cada año, uno de nosotros iría de sabático a sembrar mil cocos. Soñábamos con vivir en comuna, ricos y a la orilla del mar. Yo fui el primero – y el único – en partir, tenía la intención de trabajar en ese año las esculturas para una exposición.
Ruth y yo, cargando a Patricia de cuatro meses, volvimos a caminar por brechas, con la casa de campaña al hombro, para llegar a Puerto Escondido. Maurilio, un negro, me prestó su casa de varitas a la orilla del mar, y con sólo un peso diario comíamos desayuno y cena completos, con pescado, huevos de tortuga y verduras. Localicé un cerro con barro y comencé a hacer piezas de terracota que quemaba con leña verde en los hornos de pan del pueblo.
En Puerto Escondido se mataban a machetazos. Desde el primer día, me tocó ver morir a un negro. Fui al entierro en un camposanto a la orilla del mar, y en una tumba blanca, encalada, el carnicero abrió el tórax, también a machetazos, para hacer la autopsia. Recuerdo que decía: “ya tengo el bofe”, porque se refería a los órganos como si estuviera destazando un buey. Además, en Xila, el pueblo vecino, proliferaban las matanzas a manos de una banda de extorsionadores que se robaba tierras y cosechas. Balearon al Presidente Municipal, y más de una vez a mí me ofrecieron que me quedara a ocupar ese cargo. Sin embargo, al cabo de un año, con 12 terracotas y habiendo seleccionado el terreno idóneo para los cocoteros, nos regresamos en el barco que dos veces al año llegaba a Puerto Escondido para recoger la cosecha de ajonjolí. De Acapulco tomamos el camión a México.
Lilia y “La ruptura”
Y es entonces cuando expones por primera vez, en 1954 en el IFAL.
La crítica me trató muy bien, por única vez en mi vida vendí toda la exposición – gané 5 mil pesos –, y como Justino Fernández, Paul Westheim y Mathías Goeritz me recomendaron, el gobierno francés me concedió una beca. Así regresé a París con mi mujer y mi hija de dos años. Me dieron un estudio grande en la Planta Baja de la Casa de México y, como una provocación del destino, al lado trabajaba la pintora Lilia Carrillo, casada entonces con el filósofo Ricardo Guerra.
Obtuve la beca diciendo que iría con Zadkine, pero cuando llegué y le mostré las fotos de mi exposición, me dijo: “tú ya no puedes regresar conmigo, ya tomaste tu propio camino y de eso se trataba”. Me ofreció que fuera los domingos a tomar vino blanco a las 12, y a enseñarle la obra que iba produciendo. Me firmó todos los papeles de la beca, escribió que fui “un alumno sobresaliente que no faltó jamás”. Al final le ayudé a devastar un tronco. ¡Fui también chambero de Zadkine!
¿Comienza en París la relación con Lilia?
No, pero sí hicimos una muy buena amistad. Fuimos al estudio de Braque, expusimos en el Petit Palais, y convivimos estrechamente con los artistas latinoamericanos. En ese tiempo, encargué con Ruth otra niña, Karina; y Lilia su segundo hijo de Guerra. Ya en México comenzamos a exponer juntos y la relación fue inevitable. Ambos nos divorciamos de nuestras respectivas parejas y en 1959 aprovechamos una exposición de la Unión Panamericana en Washington para casarnos ante un juez de ésos que arreglan los papeles en cinco minutos.
Durante la segunda mitad de la década de los cincuenta, exponían ya en la galería de Antonio Souza en Génova # 51, en la Zona Rosa. Háblame de Souza y de sus intentos para romper con el mito del camino único que aún imponía la Escuela Mexicana.
En 1956, después de haber expuesto en la Carmel Art, galería y café del papá de Margo Glantz, Souza nos invitó a Lilia y a mí a exponer en su galería recién inaugurada. Era una oportunidad porque las galerías ya tenían su stock de pintores y era difícil entrar en ellas. Estaba entonces la de Inés Amor, que tenía gran abolengo; la de Caracalla que tenía pintores de Jalisco como Anguiano, González Camarena; y la Proteo, donde exhibían Pedro Coronel, Mathías Goeritz, Alberto Gironella, José Luis Cuevas y Vicente Rojo.
Toño Souza, el bohemio de una familia adinerada, era muy snob, se codeaba con los aristócratas y a sus artistas nos hacía sentir los de más categoría. Siempre vestía igual: traje gris, camisa azul y una flor azul en el ojal que hacía juego con sus ojos. Hablaba mezclando el español con el inglés y el francés, sacándose de la manga citas rimbombantes. Su estrella era Tamayo, pero también Gerszo, Leonora Carrington, Soriano y algunos extranjeros como el holandés André Vandenbroeck que era un genio pero acabó de gurú, y Botero o Szyszlo, quienes por amistad luego nos promovieron en Colombia y Perú.
Sobre su escritorio, Souza tenía cerros de guaches de Toledo. No los exhibía, los regalaba o vendía por 50 pesos. Lo estimulaba mucho, pero Toño no alcanzó a darse cuenta de quién llegaría a ser Toledo. Recuerdo también que Tamayo llegaba con él con un par de dibujitos bajo el brazo, y le decía: “Véndelos, pero que no se entere Olga”. Vendía sus obras en miles de dólares, pero nunca tenía un quinto porque Olga todo lo controlaba. Una vez llegó a decirme que estaba preocupadísimo porque había subido un peso o dos el precio del aguarrás.
Lilia y yo hicimos con Souza 3 ó 4 exposiciones. Los jóvenes éramos cercanos a él, pero nos mantenía al margen de su mundo privado. Le gustaba fungir un rol paternalista con nosotros. Cuando ya estábamos en las últimas nos ofrecía dinero “a cuenta”, pero jamás nos daba el gusto de decirnos: “Vendiste, ahí está tu dinero”. En 1961, Lilia se peleó con él por una bobada de unas tijeras perdidas y Toño la amenazó: “Si no te gusta, vete”. Acabamos yéndonos los dos.
Y comenzaron entonces a exponer con Juan Martín.
Juan Martín había llegado de España a México para trabajar con Jaime García Terrés como jefe de redacción en la imprenta universitaria, y nos conocía a todos los pintores jóvenes. Puso una pequeña librería y nos pedía dibujos para exhibir. Se decía discípulo de Ambroise Vollard (dealer de Picasso y autor de Memorias de un vendedor de cuadros) y, como él, quería tener un grupo pequeño de artistas a quienes representar. Llamó a Vicente Rojo y Alberto Gironella de la Proteo, a Roger Von Gunten, a Lilia y a mí de la Souza, y a otros como Fernando García Ponce, Gabriel Ramírez, Francisco Corzas y Arnaldo Coen. Nos ofrecía exposiciones periódicas, escribía de nosotros, nos promovía y decidía los precios de los cuadros. Decía que en cada exposición éstos debían subir de un 5 a un 10% para que los coleccionistas, que le tenían una confianza total, se sintieran estimulados de que la obra valía cada vez más.
En la década de los sesenta, decides además desafiar al arte oficial haciendo cerca de 30 murales públicos abstractos.
Quería llegar a más gente porque, por más exitosa que fuera una exposición en la galería, los espectadores jamás pasaban de cien. Convencí a amigos constructores, conseguí material de desperdicio y trabajaba con los albañiles de las obras. Uno de los más memorables fue el “Mural de chatarra” de 30 metros de largo en el Cine Diana que hice con tornillos, pedazos de hierro, tubos, tuercas y alambrón de deshecho. Al inaugurarlo, Jodorowsky recitó un poema suyo: “una moral de hierro, una moral de encierro….”.
Fue visto como una provocación. Antonio Rodríguez en la revista Política, el 1º de febrero de 1961 escribió: “que Felguérez decore cuantos cines de lujo quiera con bellas y oxidadas palabras carentes de ideas…. pero que los otros artistas continúen trabajando en función de la Revolución y del pueblo”.
Era el mismo discurso añejo, el mural de chatarra era el primero en un lugar suficientemente público que rompía para siempre con el mensaje social. Luego siguió “Canto al Océano” en el Deportivo Bahía realizado con 28 mil costras de ostión. Para la inauguración, Alejandro Jodorowsky iba a llegar volando en un helicóptero, descendería de una cuerda para subirse a una lancha atracada en la alberca. En el ensayo general, el helicóptero falló y se desplomó. Brincaron las hélices, explotó el motor, y fue muy espectacular inaugurar con un helicóptero destrozado en medio de una alberca.
Golpe a golpe contra la Escuela Mexicana
A finales de los cincuenta comienza la batalla contra la Escuela Mexicana de Pintura. En 1958 Jomi García Ascot critica la obra que el INBA manda a la Bienal de Venecia: “desdicha de la selección mexicana”, “la más deplorable colección de fórmulas gastadas”, “pomposidad y agotamiento”. Se reunía obra de Raúl Anguiano, Guillermo Meza, Carlos Orozco Romero, Manuel Rodríguez Lozano, Jorge González Camarena, y decía él que mejor deberían haber mandado los cuadros de Juan Soriano, Lilia Carrillo, José Luis Cuevas, Pedro Coronel, Fernando García Ponce y Manuel Felguérez.
La pelea fuerte fue en los cincuenta, no en los sesenta como se cree. El INBA no aceptaba el arte abstracto ni permitía que expusiéramos en las salas oficiales. Nuestro único foro eran las galerías, que comenzaron a proliferar. Jomi era amigo, llevaba el cine club en el IFAL y empezó a dar la batalla por el arte abstracto al igual que Juan Martín y Juan García Ponce, el gran crítico de nuestra generación. Por el contrario, Raquel Tibol, González Camarena y Juan O´Gorman nos atacaban con garra y despreciaban brutalmente nuestro trabajo.
Para que te des una idea de a qué grado estaban las cosas, recuerdo que Víctor M. Reyes, el director de artes plásticas del INBA, vio a Lilia dándole clases a sus alumnos en donde ahora es el Museo de Arte Moderno, y sin más le dijo: “Si quieres seguir trabajando en el INBA, te vas al sótano porque no puedo permitir que se pervierta a la gente con este tipo de pintura”. Lilia, por supuesto, renunció.
Los acusaban de tener “el ojito nuevo”, de ser extranjerizantes, vendidos a la OEA y al colonialismo, y de recurrir a “anticuadas fórmulas de arte en las que se escondían los impotentes”.
Eran muchas las ofensas. Estaban coléricos por el retorno de Tamayo. Veinte años antes se había ido de México peleado con Inés Amor, con un rencor total contra Siqueiros, Diego, Orozco y sus innumerables epígonos porque le taparon todos los caminos, pero en 1952 Carlos Chávez, que también había estado desterrado en Nueva York, fue nombrado director del INBA y le pidió que hiciera los murales de Bellas Artes. Los de la Escuela Mexicana se sintieron despojados y reaccionaron con furia. A Carlos Mérida, le destrozaron sus triangulitos recién puestos en un edificio que pertenecía a la Secretaría de Recursos Hidráulicos. La situación estaba muy brava.
Celestino Gorostiza tomó posesión del cargo como director del INBA el 29 de marzo de 1959, y declaró: “En la pintura, el estado no tomará posición en la lucha de tendencias. No se erige en juez y procura el desarrollo de todas las escuelas por igual”. Sin embargo, sólo un año después, en julio de 1960, cesó a Miguel Salas Anzures como director del Museo Nacional de Arte Moderno de México, y lo sustituyó por Carlos Orozco Romero, de quien se decía que era “uno de los más viejos aviadores de la burocracia en México”. Gironella, Cuevas, Rojo y tú salieron a la defensa de Salas Anzures, buscaron tumbar a Gorostiza, amenazaron de no asistir a la Segunda Bienal Interamericana de Pintura y Grabado e hicieron declaraciones internacionales sobre el manejo “parcial, dogmático e incapaz” del “grupo de mediocres” que organizaba la Bienal.
En 1957, ya habían organizado una primer bienal a la que ninguno de nosotros fue invitado. Neceaban aún con la Escuela Mexicana y premiaron a Francisco Goitia. La crítica había sido feroz y el certamen generó la necesidad de apertura. Por eso a Celestino no le quedó más que decir que el estado procuraría el desarrollo de todas las tendencias, pero era una farsa. Aunque Rivera y Orozco al final de sus días se habían mostrado receptivos a las nuevas tendencias – Rivera renegó del realismo socialista, dijo que el camino de la Escuela Mexicana estaba en Soriano; y el último mural de Orozco en la Escuela Nacional de Maestros fue totalmente abstracto –, Gorostiza acabó doblando las manitas ante el peso ideológico y el control de medio siglo de la Escuela Mexicana. Se decía que la lucha era entre realistas y abstractos, pero en el fondo era sólo una lucha de poder. Entre los epígonos del muralismo, Juan O´Gorman era el más peleonero de todos.
Siempre hay un secreto detrás de todas las cosas. Miguel Salas Anzures, un maestro rural, había organizado la primera bienal convencido de la Escuela Mexicana, pero luego fue como comisario a la Bienal de Sao Paulo y ahí se enamoró de la grabadora Mayra Landau, una brasileña cuya obra era abstracta. Se dio cuenta del profundo rezago del arte en México y regresó con la intención de empujar a los jóvenes. A mí me compró un cuadro, “Buscando a la gaviota”, que llegaría a formar parte del acervo del Museo de Arte Moderno. Cuando los realistas se dieron cuenta que Salas Anzures coqueteaba con nosotros, comenzaron a ejercer presión para que lo cesaran. Acabaron ganando.
¿Y qué hicieron ustedes?
Un escándalo. Buscábamos tronar a Celestino y pretendíamos hacer un museo de arte moderno dirigido por Salas Anzures. Cuando nuestros amigos los arquitectos Manuel Larrosa o el arquitecto Urrutia terminaban sus obras, les pedíamos que nos prestaran la casa vacía para organizar museos efímeros. Además, Salas Anzures nos consiguió que participáramos como grupo independiente en la siguiente Bienal de Sao Paulo, y de ahí surgieron invitaciones individuales y colectivas.
Supongo que el grupo tenía también una postura política, porque en 1960 firmaron un desplegado en solidaridad con la revolución cubana.
El grupo no tenía una postura ideológica de izquierda, pero de manera natural todos estábamos emocionados con los valores de justicia social que enarbolaba la revolución cubana. El desencanto vendría muchos años después. López Mateos nos llamó a firmar el desplegado, y a mí esa ida a Los Pinos me costó carísima: truncó mi carrera y mis posibilidades artísticas. Ya vendía obra en una muy buena galería, la de Bertha Scheaffer en Nueva York y, como a casi todos los firmantes, la embajada norteamericana me canceló la visa por “comunista”. Cuando fui a Cornell como artista invitado en 1966, viajé con un permiso especial por el tiempo que duró el contrato, e igualmente sucedió cuando obtuve la beca Guggenheim en 1975.
¿Cómo fue que después de renegar tanto, casi todos ustedes sí acabaron participando en la Segunda Bienal que organizó el INBA?
Porque después del ruido y la oposición, a Celestino no le quedó de otra más que aceptarnos. Logramos que cambiaran las bases, nos invitaran a todos, abrieran el jurado y hasta le dieran un premio de segunda categoría a Pedro Coronel. Finalmente ganamos.
Y el 11 de agosto de 1960, ya estaban ustedes exigiendo la liberación de Siqueiros, su enemigo político.
Su encarcelamiento había sido una venganza política de López Mateos y, por un acto de justicia, todos firmamos. Siqueiros se había adelantado a varios lugares de Latinoamérica a donde iba a ir el presidente, e hizo declaraciones contra el gobierno. Cínicamente luego de casi cuatro años de prisión, en 1964 López Mateos acabó liberándolo para que inaugurara el Museo de Arte Moderno. Siqueiros aceptó. Nuestros cuadros se colgaron junto a los de los muralistas y así se acabó el pleito: fue una forma de reconocer que nuestro grupo y nuestra pintura tenían también vigencia.
Si el pleito se acabó, ¿cómo te explicas entonces el zafarrancho del 5 de febrero de 1965 durante la premiación del Salón de Artistas Jóvenes, cuando “los realistas agarraron a trancazos a los abstractos”?
Ya nada tuvo que ver el conflicto entre realistas y abstractos, porque todos los pintores participantes éramos jóvenes. La ESSO había convocado a un concurso en toda América, y el MAM lo organizó en México. El jurado por unanimidad dio el primer premio a Fernando García Ponce y el segundo a Lilia Carrillo, ambos pintores abstractos. El meollo en aquel escándalo fue que aunque el jurado era respetable e incluía a Tamayo, Justino Fernández, Orozco Romero y Juan García Ponce, Juan fue acusado de arbitrariedad por premiar a su hermano.
A Benito Messeguer alguien le había dicho que sería el ganador y empezó el escándalo. Se subió a un templete apoyado por el crítico Antonio Rodríguez y gritaba a todo pulmón que todo fue un fraude. Licha, la esposa de Benito, le aventó un vaso de whisky a Juan García Ponce. Cuevas se puso de nuestro lado y se agarró a golpes con Francisco Icaza. Hubo gritos, manotazos, y copas de whisky que salieron volando. Y todo sólo por un premio de baja monta: los 15 mil pesos de Lilia apenas le alcanzaron para comprar una televisión.
Y en 1966, el pleito siguió con Confrontación 66. Se les acusó de haberse convertido en una mafia.
A Jorge Hernández Campos, que era director del MAM, se le ocurrió organizarla. Nos invitó a críticos y pintores – entre otros: Raquel Tibol, Juan García Ponce, Mario Orozco Rivera, Vicente Rojo, Francisco Icaza, Benito Messeguer y yo – a hacer una selección de los jóvenes, es decir, nacidos después de 1920, dejando así fuera de la batalla a los muralistas. Cada grupo llevaba sus candidatos. Para el gremio resultó muy molesto que estuviéramos juzgándolos y los rechazados armaron un escándalo. Las autoridades acabaron exhibiendo su obra en los pisos superiores del INBA. Finalmente la exposición fue un éxito porque acabó clarificando qué pintores valían la pena sin importar la escuela de origen.
Para terminar con el asunto del muralismo, quiero hacerte una última pregunta. La crítica colombiana Martha Traba en 1965 escribió que el atraso de la pintura latinoamericana obedecía “a la prédica retrógrada y reaccionaria del muralismo mexicano”. Visto en perspectiva, ¿no crees que le endilgaron demasiadas culpas al realismo de la Escuela Mexicana?
Quizá nos ensañamos con los grandes, pero aún coincido con Martha: el muralismo fue aterrador. No sólo por su discurso panfletario que obedecía al realismo socialista y nacionalista de entreguerras (similar al de la URSS, al arte nazi y al fascismo), sino porque al acabar las guerras, cuando en el mundo se resquebrajó el arte socialista porque no existían los poderes para sustentarlo, en México se mantuvo a costa de todo, impactando también a los demás países de Latinoamérica, igualmente repelentes a conocer las novedosas tendencias artísticas del extranjero.
Diego y Siqueiros, miembros del partido comunista, habían tomado el ejemplo de la URSS para hacer una copia de ese arte de estado, aparentemente dirigido al pueblo. Lo patético fue que después de ellos no hubo forma de parar la inercia de sus epígonos, que lejos de ser buenos pintores, se dedicaron a la grilla y sentaron sus reales en los edificios coloniales. Morelia y Aguascalientes los llenaron de horrendos murales con “monotes” y, en general, usaron a las instituciones oficiales para satisfacer sus ambiciones. Recientemente padecimos el escándalo de los murales del Casino de la Selva. Son horrendos y no vale ni la pena conservarlos. Yo los hubiera destruido con toda tranquilidad porque no por ser murales son arte.
El propio Lenin tenía una frase increíble: decía que el arte debía servir para elitizar al pueblo, no para vulgarizar la cultura. Y el muralismo fue exactamente eso: la vulgarización de la pintura con el pretexto de llegar al pueblo.
La olimpiada, los intelectuales y la represión
Hablemos del movimiento estudiantil de 1968. Los intelectuales en general jugaron un rol sustancial, y tú en particular como representante de Artes Plásticas del Comité de Lucha de Artistas e Intelectuales que presidía José Revueltas. ¿Cómo llegaste ahí?
Fue muy espontáneo. Nos sumamos a los maestros, alumnos y líderes naturales. Un pleito aislado el 22 de julio entre estudiantes de la Vocacional 2 del Politécnico y de la preparatoria privada Isaac Ochoterena, dio inicio a enfrentamientos entre autoridades gubernamentales y estudiantes que día a día se fueron recrudeciendo. El 26 de julio, en un desfile más de apoyo a la independencia cubana, el ejército reprimió a los estudiantes, y un par de días después militares y policías, en franca violación de la autonomía universitaria, rodearon los planteles de la Prepa Nacional y del Politécnico, y dispararon un bazukazo contra las puertas coloniales de la Prepa 1.
No podíamos mantenernos al margen. Los artistas de nuestro grupo teníamos una estrecha relación con la UNAM: Juan García Ponce, nuestro gran amigo y principal crítico, ahí trabajaba; García Terrés dirigía la revista, que además de ser uno de nuestros bastiones fue donde publiqué mis primeros cuentos; y nuestras exposiciones en CU eran frecuentes.
El propio Javier Barros Sierra, rector de la UNAM, en franco enfrentamiento contra el gobierno de Díaz Ordaz, el 1º de agosto izó la bandera nacional a media asta en CU, suspendió las transmisiones de Radio UNAM en señal de luto, y junto con maestros, profesores, alumnos, encabezó una manifestación vestido de dandy a la que nos sumamos los intelectuales. Nunca imaginamos la masacre que vendría después.
Durante agosto y septiembre, los pintores decidimos participar en la protesta de manera más activa. Convocamos a pintar un mural colectivo sobre las láminas acanaladas como de 20 ó 25 metros de altura y unos tres metros de ancho, con las que el gobierno había protegido de más ultrajes la escultura de Miguel Alemán, a la que los estudiantes ya le habían volado la cabeza. No teníamos intención dar un mensaje, sino que cada pintor llegara a CU a hacer su obra como si se tratara de un cuadro más. Con cooperacha compramos botes de pintura, pinceles y el que llegaba, buscaba su huequito en aquel cubo de metal.
Decidieron también oponerse a la exposición “Solar” que en plena olimpiada pretendía mostrar todas las tendencias del arte mexicano. No aceptaron ni al jurado calificador, ni las bases. En los desplegados tu firma figuró, entre muchas otras, con la de Tamayo, Mérida, Gerszo, Carrington, Cuevas, Gironella, Coronel, Corzas y García Ponce. Aunque las autoridades trataron de subsanar los errores lanzando una nueva convocatoria con otro jurado y ampliando las técnicas, ustedes se mantuvieron renuentes a participar. ¿Por qué?
Te voy a hablar de mí. No me interesaba participar con 200 pintores porque necesariamente esa exposición iba a ser mala y, como miembro del comité de lucha, no quería tomar parte en una actividad de un estado represor. La mayoría pensábamos así, pero buscábamos pretextos para oponernos porque a todo el mundo lo estaban metiendo a la cárcel. El último recurso fue argüir que “los premios pervertían al arte”.
Brian Nissen, Kasuya Sakai y yo corrimos la voz con quienes habían pintado con nosotros en CU, de que nos reuniríamos en la galería Pecanins para conformar un Salón Independiente. Como no había tiempo para pintar nada especial, cada artista trajo dos de sus obras e inauguramos el 4 de octubre en la Casa de Isidro Fabela.
Después, en 1969 y 1970, organizaríamos dos salones más ya en la UNAM, cuando ésta recuperó su autonomía. El grupo, sin embargo, acabaría por desmembrarse porque jóvenes como Felipe Ehrenberg y Herzúa, entre otros, boicotearon el trabajo y nos acusaron de usar el Salón para promovernos. Varios decidimos irnos – Aceves Navarro, Lilia, García Ponce, Nissen, Gabriel Ramírez, Ricardo Ragazzoni, Rojo, Sakai, Von Gunten y yo –, y los que se quedaron, que solían discrepar de todo, no fueron capaces de continuar.
Jugaban ustedes también un activo rol político. El 21 de septiembre de 1968, 308 intelectuales – tu nombre figuraba entre los 12 primeros – publicaron un desplegado contra Díaz Ordaz condenando la ocupación de la UNAM. Denunciaban el uso anticonstitucional del ejército, la suspensión de garantías individuales, la cesación de la autonomía universitaria, el ejercicio de medidas represivas en sustitución del diálogo democrático, así como la detención ilegal, arbitraria e inconstitucional de estudiantes, padres, funcionarios y maestros que se encontraban en el centro de estudios en el momento en que fue ocupado por el ejército.¿Quién redactó esto? ¿ qué respuesta hubo?
Yo creo que fue Carlos Monsiváis. Respuesta no hubo en principio, luego encarcelaron a todos los líderes de los distintos comités de lucha. Te vas a reír de lo que voy a contarte. Cuando ya se vino la represión fuerte después del 2 de octubre, la mayoría comenzó a esconderse. Como Monsiváis estaba en mi grupo, yo pensaba que él era mucho más notorio que yo y me decía a mí mismo: si agarran a Carlos, yo me escondo. Lo andaba yo cuidando. Fue a Revueltas a quien entambaron y fue por su protagonismo. Sin serlo, dijo que él era el gran organizador del movimiento estudiantil y acabó pagando por ello.
Sorprenden las declaraciones de Elena Garro después de la masacre en Tlatelolco el 2 de octubre. Decía que “no eran los estudiantes los verdaderos responsables de la agitación contra Díaz Ordaz, sino un grupo de más de 500 intelectuales mexicanos y extranjeros”. Citó a Luis Villoro, Ricardo Guerra, Rosario Castellanos, Enrique Lizalde, José Luis Cuevas, Leonora Carrington, Carlos Monsiváis y también mencionó tu nombre. Afirmó que en una reunión a la que ella asistió, los intelectuales, que eran unos cobardes, manifestaron su propósito de sabotear los juegos olímpicos. Aseguró que vivía escondida porque ustedes trataban de asesinarla.
Estaba loca. Sus declaraciones nos sorprendieron a todos: a nosotros y al gobierno. A mí hasta gusto me dio que me incluyera. Boicotear “Solar”, no era boicotear la olimpiada. No queríamos participar con el Estado, eso era todo. Nadie la tomó en cuenta: ni nosotros, ni la Federal de Seguridad que jamás la protegió. La volví a ver muchos años después en España y París, pero para entonces ya se le había olvidado lo que hizo. Elena tenía momentos de locura y paranoia; temió que la fueran a apresar y salió a gritar que era la única intelectual de México que apoyó al gobierno.
Obra impermeable al dolor
Después del tercer y último Salón Independiente en 1970, para el que todos trabajaron con papel periódico, Raquel Tibol escribió que tú te presentaste con “el reloj atrasado”. Decía que tus objetos cinéticos recordaban lo que se hacía una década antes y que quizá “tus problemas personales” te impedían compartir la problemática de un material común y un espíritu colectivo. ¿A qué se refería?
Supongo que era una crítica muy a su estilo. Mis “problemas personales” eran la enfermedad de Lilia. Se le rompió un aneurisma dentro de la columna, y aunque la operaron en Neurología, quedó paralítica de la cintura para abajo. Estuvo internada tres años en el Instituto de Rehabilitación y, producto de la inmovilización, la operaron siete veces más. Fue muy triste y no tenía yo ni para pagar el hospital. Nunca dejé de trabajar: rehice el plan de estudios de San Carlos, di clases, pinté sin tregua. Traté de vender obra mía o de Lilia, pero nada salía.
El único generoso fue Tamayo que me compró un cuadro. Con Lilia y conmigo, como con casi todos los jóvenes del grupo, tenía una relación muy cercana. Observaba nuestros cuadros con tal minucia que hasta le hacíamos bromas, decíamos: “Míralo, ya está fusilándonos”. Acabé llevándome a Lilia a nuestra casa en San Ángel, murió el 6 de julio de 1974.
Me impresiona mucho constatar que en tu obra geométrica de aquellos años, no se percibe la tristeza…
Yo no creo que el arte sea necesariamente el espacio para descargar emociones y mi obra jamás ha reflejado mis estados de ánimo. Mi única búsqueda es estética, sentir placer ante lo que estoy haciendo. Pinto más con la cabeza que con las manos, paso horas observando los cuadros, luchando por alcanzar la forma y el color que busco hasta terminarlos.
En esos años estaba yo muy metido en la geometría, en el espacio múltiple. Kasuya Sakai, Rojo y yo nos habíamos juntado en 1969 en casa de Jorge Manrique con la intención de lanzar un movimiento de arte geométrico en México. Coincidió con que yo entré de maestro a la escuela de diseño industrial de la UNAM y que ese mismo año me contrataron en San Carlos para transformar el plan de estudios.
Estaba ocupadísimo, metido hasta el cuello en el cinetismo y la geometría – estudiando desde las técnicas del constructivismo ruso de principios de siglo, hasta las de Julio Leparc que acababa de ganar la Bienal de Venecia –, y mi obra y mis enseñanzas sólo correspondían a ello. Retomé los colores de Kandinsky y del Bauhaus, busqué telas sin textura y pintaba con pistolas de aire para lograr cuadros lisos. Luego, de cada plano hacía un relieve de 10 ó 15 centímetros, y de cada relieve una escultura y una gráfica. Se llamaba el espacio múltiple porque de cada figura salía una gama de posibilidades.
Octavio Paz, amigo desde tiempo atrás, vio la exposición y me escribió un texto espléndido. Fernando Gamboa la llevó a la XIII Bienal de Sao Paulo y, por lo novedoso, gané el gran premio entre artistas de 54 países, uno de los premios que más satisfacción me ha dado en mi vida.
Y a pesar del éxito, no te quedaste ahí…
Nunca me he quedado, si uno se repitiera buscando la aprobación o el éxito comercial, sería uno un artesano de su propia obra. Aunque los elementos personales se repitan hasta el infinito, la obligación del artista es jugársela, renovarse continuamente generando diferentes épocas y momentos.
En mi caso, comencé con la abstracción, para luego simplificar y experimentar sólo con blancos, negros y texturas (1960- 1962). Ya en Cornell, en 1966, en una época fascinante, liberé la brocha y cree cuadros abigarrados que me encantan (como el Doctor Caligari). Al regresar a México, leí La Eva futura de Auguste Villiers de l’Isle-Adam, un antecesor de los surrealistas que crea una mujer perfecta a base de maquinaria, y me inspiró para crear cuadros abstractos con tímidas insinuaciones de la figura femenina presa de la máquina (1967-1969).
A comienzos de la década de los setenta, como ya te dije, me clavé en la geometría y el espacio múltiple, y estos conceptos los lleve hasta sus últimas consecuencias inventando teorías y coloridas formas nuevas con el uso de la computadora. Cuando gané la Beca Guggenheim en 1975 logré hacer en Harvard, con la ayuda de Mayer Sasson, un ingeniero en sistemas colombiano, un ideograma personal: más de 4 mil cuadros posibles, todos diferentes y que sólo podían ser míos porque correspondían a los elementos geométricos que yo ocupaba en cantidad y proporción.
A Harvard ya me fui casado con Meche. Ella, más de una década antes, se había divorciado de Juan García Ponce – padre de sus dos hijos –, y de manera natural, porque fuimos amigos de siempre, la vida nos unió. Ella estuvo cerca de Lilia en sus últimos años, y hasta el día de hoy, cuida también de Juan que se deteriora irremediablemente por la esclerosis múltiple.
Tiempo después, me cansé de los cuadros planos y volví a reinventar mi lenguaje retornando a las texturas. A principios de los ochenta, después de un viaje a la India, incorporé además lo orgánico en mi combinatoria de elementos geométricos. Y seguiría “Sol de Sombras” (1987), en la que con base en la teoría del caos, me propuse provocar desorden, manchas casuales para encontrar con la pintura el orden de las formas. Hoy aún me encuentro buscando en la pintura, la escultura y el relieve, la geometría de la naturaleza y el orden matemático. Y como me ha pasado en el amor: lo que me gusta más es lo último, lo que estoy viviendo.
El teatro y las máscaras
Octavio Paz escribió que ustedes abrieron las ventanas de México al mundo, pero pareciera que la llamada “ruptura” no sólo se limitó a las artes plásticas, sino que hizo explosión en todas las áreas: la literatura (Fuentes, Paz, Elizondo, Pacheco, Arreola, Benítez, Rulfo…), el teatro (Poesía en voz alta, las creaciones de Gurrola y Jodorowsky), la danza moderna, el cine…
La única guerra fue contra la pintura, pero es cierto, fue un cambio generacional. El país ya no era rural, el cine dejó de ser “Allá en el Rancho Grande”, y las lecturas obligadas no eran más las de Martín Luis Guzmán o Mariano Azuela. El nuestro era el México del crecimiento poblacional desmedido, el del hacinamiento urbano, la industrialización y el smog…
¿Cómo te involucras en el teatro?
Quería a toda costa hacer una escenografía para Poesía en voz alta, pero el grupo de Octavio se acabó. Alejandro Jodorowsky, que vivía en competencia con Gurrola en el afán de ser cada vez más vanguardista, me invitó en la década de los sesenta a hacer las escenografías de sus obras y le pidió a Lilia los vestuarios. Alejandro no tenía ni un quinto, sobrevivía de préstamos. Los ensayos comenzaban a las 12 de la noche y terminábamos a las 4 de la mañana. Su creatividad e irreverencia no tenía límites y, como consecuencia de ello, padecimos dolorosas censuras.
“La sonata de los espectros” de Augusto Strindberg, que desenmascara la falsedad de la burguesía, sólo se presentó en la inauguración y los funcionarios de Gobernación llegaron a clausurarnos arguyendo, sin haber un solo desnudo, que los movimientos de los actores eran obscenos. “La ópera del orden”, un musical de Alejandro, la clausuraron en el ensayo general. La escenografía la habíamos hecho Lilia, Alberto Gironella, Fernando García Ponce, Rojo y yo. A Gironella se le ocurrió hacer una instalación religiosa y salir de monje, y a los censores les pareció que la obra ofendía “las buenas costumbres”. Ni siquiera nos dejaron inaugurar.
También hicimos happenings. En uno en San Carlos, decoré el escenario con tortillas secas, y a la hora de la función llevé ratas blancas hambrientas para que se las devoraran. En otro forré a una mujer con capas de trajes blancos, se los fui cortando a pedazos, pintándole cuadros blancos, hasta que quedó desnuda y totalmente pintada de blanco. Pusimos también a una actriz bañándose con pulpos, a un demente comiéndose una paloma viva, a otro destruyendo un piano. Eran muchas locuras, destrucción y relajo, y los de la Acción Católica más de una vez nos apedrearon.
Y acabaron expulsando a Jodorowsky de México en 1973, ¿no?
Pero ya no por su teatro, sino por su cine que resultó aún más provocador. Al principio vivíamos en unas penurias insoportables teniendo hasta que empeñar nuestros relojes para llegar a la función del sábado, pero luego puso de nueva cuenta las mismas obras y comenzó a llenar la sala. Sacó bastante dinero y lo invirtió en el cine. Hizo “Fando y Lis” escrita por Arrabal, luego “El topo”, un éxito internacional que llegó hasta Broadway, y con grandes pretensiones inició la filmación de “La montaña sagrada” apoyado por un productor que abandonó la película a la mitad.
Para esta cinta, a mí me tocó hacer la casa del coleccionista. Contratamos extras que iban a estar encuerados adentro de una maquinaria de formas cinéticas que debía crecer hasta 15 metros ante las provocaciones de una mujer desnuda. Alejandro tenía ideas surrealistas. Se le ocurrió colgar a señoras desnudas entre las pencas de plátanos de La Merced y como un acto más de provocación, en aquel momento en que la herida de Tlatelolco estaba aún abierta, disfrazó de militares a un grupo de extras y los puso a simular que golpeaban al pueblo. Además, le pidió autorización a Monseñor Guillermo Schulenburg de filmar una escena en la Basílica de Guadalupe. Schulenburg ni se enteró que una penitente llegaría de rodillas frente a la virgen, se abriría el abrigo, y le mostraría su desnudez.
Se hizo un gran escándalo, la Asociación de Charros y la Asociación Católica Mexicana exigían que se expulsara a Alejandro de México porque su película era “una ofensa a la patria”. El gobierno no le aplicó el artículo 33, pero sí le solicitó “amablemente” que se fuera. Era un tipo muy especial, mesiánico, como un Cristo rodeado de discípulos. Se fue a Francia y ahí formó una secta, le dio por leer el tarot y escribir libros.
Sé que con Cuevas viviste en pugna. Leí, por ejemplo, que en un artículo de la revista Life en 1964 declaró que entre los abstractos sólo valía la pena Fernando García Ponce. Te acusaba de ser tímido en la vida y en el arte, decía que a Lilia le faltaba vigor. Fue categórico contra ustedes: “no me quedan ganas de que me cambien ninguno de sus cuadros por una obra mía”.
A menudo salía con sus cosas. Aunque me caía mal que constantemente zumbara como moscardón, casi nunca le contesté. Siempre sentí que si me atacaba era porque le hacía mella. Nos dejamos de hablar 30 años, nos reconciliaron los amigos artistas. Hoy somos cercanos.
Ahora que vemos tu vida en retrospectiva seguramente tienes una relectura…
La vida ha sido muy generosa conmigo, pero le huyo al pasado para sobrevivir. La parte íntima me ha sido muy difícil: la enfermedad, el deceso de mi padre, la pérdida del rancho, las muertes, el destino inevitable. Sin duda lo peor fue la agonía de Lilia. Quizá por eso, siempre estoy queriendo irme: París, Nueva York, Puerto Vallarta, Zacatecas.
Sin embargo, jamás he dejado de trabajar. Cuando un día no pinto, siento que pasé sin dejar huella. Durante más de 50 años, la pintura ha sido para mí una mística, una religión, la posibilidad para luchar y superarme. Y te vas a reír, entre los momentos más emocionantes están aquellos en los que regreso a ver el mural de relieve en el Auditorio Nacional, el del Centro Cultural Alfa en Monterrey, mi cuadro del MAM, o algún cuadro en alguna casa que visito. Es como llegar con viejos amigos.
La última sorpresa que me dio la vida fue que el gobierno quisiera poner un museo a mi nombre en Zacatecas. Además de donar mi obra, quise que el proyecto fuera más grande: un museo de arte abstracto que nos representara a mi generación y a las que han venido después. Junto con Meche, me aboqué a todo: desde restaurar y remodelar el sitio que fue una cárcel, hasta la curaduría de las exposiciones.
La generosidad de los pintores fue enorme. Además de su obra, Vicente Rojo donó obra de amigos y Hellen Escobedo las maquetas de la Ruta de la Amistad (1968). Y como cereza del pastel tenemos expuestos por vez primera los murales que en 1969 pintamos los jóvenes, por invitación de Fernando Gamboa, para la Feria Mundial de Osaka. Jamás pudieron ser exhibidos en su conjunto porque estaban diseñados para cubrir hasta el último centímetro de la entrada del pabellón mexicano, y como a los arquitectos en Osaka se les ocurrió subir el nivel del suelo, éstos ya no cupieron. Después de estar más de 30 años enrollados, ahora lucen en Zacatecas.
A los 75 años, ¿cuáles son tus miedos y pendientes?
Estoy orgulloso de lo que he hecho y vivido, pero también estoy conciente de que el tiempo se me acaba. Vivo obsesionado con trabajar, quiero hacer obra más importante y trascendente. Mi mayor miedo es a la enfermedad. Tengo horror de temblar con parkinson, de perder la conciencia por alzheimer, o quedarme tieso por una embolia. Me preocupan los que de mí dependen, a quienes dejo: Meche, mis hijas. Sin embargo, si estoy como ahora, me encantaría vivir muchos años más.
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El reto es encontrarse y conectarse con las audiencias, indica
México, 5 Feb (Notimex).- Canal 22 continuará al servicio de una sociedad diversa, crítica e inteligente, aseguró el cineasta Armando Casas al tomar posesión como nuevo director de ese espacio televisivo.
Aseguró que la señal es un pilar fundamental de la cultura mexicana que continuará como un canal independiente y libre, al servicio de una sociedad diversa, crítica e inteligente.
“Buscaremos hacer una televisión dinámica, audaz, crítica y creativa, donde prevalezca la imaginación, la libertad y el debate, una televisión entretenida y siempre, siempre inteligente”, indicó.
Armando Casas dijo que para él es una distinción especial dirigir este canal que a lo largo de 25 años ha llevado lo mejor de la cultura a la sociedad mexicana indiscutiblemente, incluyendo a los que viven fuera de México.
Recordó que el Canal 22 se ha distinguido por ser un referente de la vida cultural de México, una ventana privilegiada para la difusión del arte y la cultura, tanto de este país como del mundo.
En ese sentido, dijo que están obligados a hacer una buena televisión, producir programas con contenidos relevantes para atraer a una audiencia cada vez más crítica y exigente, una audiencia que tiene a su alcance, como nunca antes, una oferta audiovisual con contenidos de gran calidad y donde el Canal 22 debe mostrar que es una televisión moderna y atractiva.
El nuevo director de la televisora, adscrita a la Secretaría de Cultura, dio a conocer los tres ejes de acción que se implementarán durante su gestión con el objetivo de que el canal se encuentre y se conecte con sus audiencias.
Detalló que se reforzará la identidad del 22.1 como el Canal Cultural de México, con la ampliación del concepto de cultura, más allá de las bellas artes, al conjunto de saberes, creencias y pautas de conducta de la sociedad.
La segunda línea de trabajo será crear la identidad del Canal 22.2, espacio que merece tener una identidad propia y que puede dedicarse a una programación temática.
Asimismo, se buscará fomentar la convergencia tecnológica digital de contenidos oportunos, a fin de que Canal 22 pueda afianzarse como un medio creíble, plural y confiable, con un periodismo y obras audiovisuales que fomenten la ciudadanía activa a través de la televisión abierta, las redes sociales y el internet.
Añadió que se garantizará la libertad de expresión, la independencia editorial, el derecho a la información y la participación ciudadana, para lo cual pidió el apoyo de los trabajadores de esa institución, a la cual le toca escribir los cambios que harán de México un país mejor.
Acompañado de Gabriel Sosa Plata, nuevo director de Radio Educación, Armando Casas comentó que también se promoverá activamente, junto con los medios públicos, la digitalización, la conectividad, la banda ancha universal y la cobertura plena de los servicios de telecomunicaciones.
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Hace más de dos décadas, leí en un libro de Gabriel Zaid que afirmaba que, bajo la efusividad de los mexicanos al saludarse con el abrazo y las palmadas en la espalda, se esconde una generalizada desconfianza. El abrazo y las palmadas son para palpar y catear si la persona no tiene un arma o algo que después pueda ser usado de forma traicionera contra uno, sostenía el conocido escritor.
Aunque tal razonamiento pueda resultar muy exagerado, es un reflejo de lo que en fondo y de manera arraigada es el actuar y sentir de los mexicanos.
No puede salir alguien que quiera hacer un bien para la comunidad e inmediatamente se empieza a dudar sobre sus intenciones, se especula lo que se obtienen de beneficios y se tira toda la crítica para desacreditar no solo las acciones, sino lo peor, dirigirse contra la persona, su integridad moral y fama pública.
Esto trasciende hasta los actos públicos. Nos sentimos con el derecho de cuestionar a las autoridades y las instituciones porque entre los factores que lo impulsan es la desconfianza que cargamos en contra de ellas. Parecería una especie de paranoia social que nos fortalece el sentimiento de animadversión institucional.
Lo que es cierto es que los problemas sociales deberían ser más importantes que las diferencias que surgen por la desconfianza y la envidia.
La democracia se debe entender más allá de un régimen político para ser un sistema de vida que otorgue las oportunidades para todos, tal y como se expresa en el artículo Tercero Constitucional. Esto implica abrir las puertas a todos, sin distinción.
Sin embargo, parece que nos mueve una motivación diferente. La desconfianza nos hace ser entes individualistas que si podemos ponerle un pie a quien avanza, no se pierde esa oportunidad. Como resultado se mina el camino del avance y del desarrollo. Es el obstáculo que impide que los problemas sociales se resuelvan.
Lo que debería ser una suma de esfuerzos, por la desconfianza y la envidia, se divide y polariza la lucha social. Es la incapacidad de encontrar las coincidencias profundas que se fundamentan en los objetivos comunes y el bienestar social general.
Es el protagonismo que nos ahoga y nos hunde en la mediocridad social. El figurar para uno mismo y no para darse a los demás.
El premio Nobel de literatura mexicano Octavio Paz lo dice claramente en su obra El laberinto de la soledad: “Para el mexicano la vida es una posibilidad de chingar o de ser chingado”. Otra forma de expresar la Ley de Herodes – “O te chingas o te jodes”
Por eso es muy fácil trasgredir las leyes. Fomentar la corrupción. Engañar y pisotear al que esta a lado. Impedir que siga subiendo el que logra el éxito.
Porque no hay más allá de la visión individualista y personal. El YO es lo que importa. No hay un TU y menos un USTEDES y NOSOTROS. Porque desconfío de los demás. El mal no está en uno, sino en los demás. Por lo cual me tengo que proteger y enmascarar. Cubrir lo que soy y pensar que los demás son iguales a mí.
Situaciones que son profundas en la psique del mexicano. Que lo caracterizan y nos conducen en la línea del tiempo para ser lo que somos como pueblo y cultura.
Una nación desconfiada de lo que podemos hacer juntos, de los talentos que nos harían mas grande y potencia en el mundo.
El enemigo, no lo tenemos afuera, está en nuestro ser.
]]>Es decir, que las bases de la filosofía como ciencia las encontramos en los
pensadores griegos desde Tales de Mileto, hasta las escuelas helenísticas.
Entonces… ¿cómo denominar a los tipos de pensamientos o ideologías que se
presentan en los pueblos antiguos? Especificamente en México… ¿se desarrollo
un pensamiento que puede equipararse con una filosofía?
Los pueblos aborigenes del continente americano tenían una evolución
cultural, que no solo les permitió adaptarse al medio, sino que planteo
preguntas con respuestas acerca de los mismos cuestionamientos que las culturas
europeas conquistadoras. Los nuevos visitantes no lograron comprender el nuevo
mundo que se les presentaba ante sus ojos, con la consecuencia de la destrucción
de gran parte del acervo. Lo que provoca que aún desconozcamos muchos aspectos
de las civilizaciones antiguas.
Pero también es cierto que no todos los pueblos, alcanzaron ese desarrollo.
Las grandes culturas: la maya, la nahualt, la inca a diferencia de otras
culturas poseían pensamientos equiparables con los cuestionamientos filosóficos.
En el caso de México el estudio de la filosofía mexicana comienza en el año
de 1896 con la edición del libro Apuntaciones históricas de la filosofía en
México por el Dr. Emeterio Valverde y Telléz. Este libro es la primera síntesis
de lo que pudiera lllamarse el pensamientos filosófico de nuestro país.
Un segundo intento, es hasta 1943 con la obra de Samuel Ramos, publicada por
la Universidad Nacional de México. Con respecto a esta obra Ibargüengoitia
(1995), opina que adolece de algunas lagunas.
El desarrollo de la filosofía en tierras mexicanas se identifican cinco
carácteristicas, propuestas por Ibargüengoitia (1995) que se asemejan a las
etapas de la historia de la filosofía.
Las características son:
Aunque el término es un vocablo para las actividades agrícolas, describe un
fenónomeno del comienzo y penetración de la filosofía en tierras mexicanas.
El europeo al llegar a las nuevas tierras, se vio en la necesidad de
solucionar diversos problemas que se presentaban. De ahí la conformación de
institutos de formación académica como la Real y Pontificia Universidad de
México, que siguieron los mismos moldes o paradigmas de la filosofía que
sustentaban las universidades europeas: la escolástica.
Es importante resaltar que la filosofía escolástica se encontraba en el Viejo
Continente en franca decadencia. El desarrollo histórico de la filosofía, tendía
a la modernista, inspirada por el método cartesiano de René Descartes.
Por lo tanto se puede considerar, que en América la filosofía de la
escolástica tuvo en resurgimiento, ya que mucho del material producido en las
universidades americanas, fueron considerados de suma importancia para los
estudios en colegios en Europa; como el caso de Fray Alonso de la Vera Cruz.
La filosofía catersiana logra penetrar en Mérica a los finales de la etapa
colonial, incitando a la reflexión de los españoles nacidos en este continente,
para después impulsar los movimientos de independencia de la Corona Española
El fenómeno de la imitación en México se agudiza en el período comprendido
entre 1810 a 1910.
El movimiento de la Independencia de México, impulsada por Dn. Miguel Hidalgo
y Costilla, obedecía además de los propios intereses de los criollos (hijos de
españoles nacidos en América), a los ideales que encabezaron la Revolución
Francesa: igualdad, libertad, etc.
Otro ejemplo, más claro, es el modelo educativo de Gabino Barreda durante el
gobierno de Porfirio Díaz (entre los años de 1880 a 1910): el positivismo.
Barreda, había sido discipulo de August Comte en Francia, y estaba convencido
que México, por lo diversos conflictos históricos, necesitaba de un modelo de
progreso, depositándo su confianza en los pensamientos de
su maestro.
En el siglo XVI se presenta una etapa interesante para el desarrollo de la
filosofía
Por una parte, el anterior desarrollo se había dado en los pensamientos de la
escolástica; pero con la penetración de las ideas modernistas de Renato
Descartes y de Francisco Bacon, algunos pensadores mexicanos intentarón realizar
una síntesis entre ambas tendencias, provocando con ello el surgimiento de esta
etapa.
El siglo XX, en la historia universal se caracteriza por ser una etapa
violenta para la humanidad.
Un país que sufre las consecuencias es España durante la Guerra Civil
(1936-1939), lo que obliga a diversos españoles a emigrar hacia otros naciones.
En México son recibidos e incorporados a la vida no solo productiva sino
también intelectual. José Gaos, José M: Gallegos Rocafull, Luis Recaséns Siches,
son personalidades que sobresalen de los personas que llegaron a México y le
dieron un sello especial a la filosofía en nuestro país.
Al inicio de este siglo, México se caracteriza por sus diversos movimientos
armados revolucionarios, que lo llevarán a la construcción de las estructuras
políticas y sociales de hoy.
Pero también, surgen grandes personalidades intelectuales que ayudaran en
mucho en las nuevas tareas de desarrollo del país. Por ejemplo, Antonio Caso,
José Vasconcelos, Samuel Ramos y muchos otros, que se dedican a estudiar la
realidad mexicana, tanto dentro del contexto internacional como nacional.
José Vasconcelos, para los conocedores del estudio de la filosofía, conforma
un sistema filosófico original y único no solo para México, sino para toda la
América hispana. La América hispana, que apenas 100 años atrás lograba su
independencia de España, buscaba conformarse una identidad propia, un papel
dentro del desarrollo de toda la humanidad. Samuel Ramos, otro ejemplo, se
dedica a estudiar la cultura mexicana, sus orígenes, ideas, problemas y retos;
lográndo valiosas síntesis de lo que distuingue al mexicano.
Sin embargo, tal desarrollo quedo estancado, por los parámetros de
crecimiento industrial que impuso los gobiernos mexicanos después de terminada
la Revolución Mexicana. Pero en la actualidad, ante las crisis económicas y
sociales contemporáneas, surge el interes por estudiar y valorizar lo que somos
los mexicanos, nuestro pasado para entender el presente y percibir el futuro
A las anteriores características, propongo además considerar estas dos
últimas:
México es un mosaico de grandes culturas. Contados países se privilegian por
la grandeza de sus culturas de origen, comoMéxico.
Los nahuas y los mayas, al igual que los egipcios, los incas y otros pueblos,
tuvieron un desarrollo tan particular, que las hacen únicas, no solo en México,
sino en todo el mundo.
Antes de la llegada de los españoles, las culturas que habitaron los
territorios del México actual, habín logrado una evolución cultural, que
sorprendió a los mismos conquistadores, y que lamentablemente destruyeron para
implantar un nuevo mundo.
Pero a pesar de la destrucción de mucho del material, aún se conservan
vestigios que nos ayudan a reconstruir todos los aspectos de la vida, inclusive
la intelectual, y darnos cuenta y valorar lo que estos pueblos hicieron.
Los primeros años de la conquista de los españoles en nuestra tierras, se
caracteriza por una parte por la resistencia de las culturas aborigenes de
aceptar la nueva civilización, que fue impuesta por los extranjeros. Como
ejemplo tenemos el Coloquio de los Doce, diálogo recogido de las crónicas de la
últimas actuación pública de los tlamatinime en frente a los doce primeros
frailes que llegaron a evangelizarlos.
Los españoles por su parte, también sufrieron de luchas intelectuales al
intentar comprender los por que de todos los aspectos que rodeaban en mundo. De
tales luchas se originan las llamadas controversias.
Esta etapa fue el primer paso hacia el sincretismo (unión de dos posturas muy
distintas) cultural que sienta las bases de la nueva nación mexicana
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